En los últimos años, Medellín logró una&nbsp;metamorfosis urbana que dejó una huella profunda en la&nbsp;Comuna 13, uno de los barrios más emblemáticos y transformados de la ciudad. El arte urbano jugó un papel esencial en este proceso de&nbsp;revitalización. A partir de esto, se generaron tensiones sobre el futuro del&nbsp;territorio y la gente que lo habitan. Con una serie de&nbsp;intervenciones artísticas, este lugar atrajo a miles de turistas, artistas y colectivos de diversas partes del mundo. De esta manera, consiguieron el ascenso de un fenómeno social tan&nbsp;controvertido como es la&nbsp;gentrificación. Lo que antes era un barrio marcado por la pobreza y la violencia, ahora es un espacio lleno de creatividad.<h2>El símbolo de la transformación</h2>La&nbsp;Comuna 13 de Medellín tuvo una&nbsp;evolución fascinante. En sus inicios, era un lugar de&nbsp;confinamiento y marginalidad, pero se convirtió en un referente mundial de&nbsp;resiliencia,&nbsp;creatividad y&nbsp;renovación urbana. A lo largo de sus calles, los&nbsp;murales que adornan las paredes transmiten historias de resistencia de una sociedad que superó los&nbsp;difíciles años de violencia, producto del&nbsp;narcotráfico y de la presencia de&nbsp;grupos armados.Los colores, las formas y los trazos de cada mural son adornos que encierran relatos de&nbsp;superación y&nbsp;memoria colectiva. Gracias al arte, este lugar cambió su&nbsp;imagen pública. Ahora es donde los turistas se sienten atraídos por los espectaculares&nbsp;graffitis y el&nbsp;hip-hop, en la búsqueda de admirar la obra y entender el trasfondo de estas expresiones.Como en muchos procesos de transformación, este resurgir trae consigo efectos secundarios&nbsp;inevitables como lo fue&nbsp;el desplazamiento y la&nbsp;alteración de su esencia más profunda. Los artistas, al igual que los empresarios y el turismo fueron los principales agentes de&nbsp;cambio en este&nbsp;ecosistema urbano.<h2>El arte urbano como motor de cambio</h2>El&nbsp;arte urbano fue el máximo impulsor de esta&nbsp;renovación, porque dio visibilidad a las problemáticas del barrio y sirvió como herramienta de&nbsp;empoderamiento para la juventud. En la intervención participaron diversos colectivos artísticos como&nbsp;Casa Kolacho&nbsp;que canalizaron la energía de la&nbsp;juventud hacia la creación. Con estos proyectos, las paredes dejaron de ser espacios olvidados, para convertirse en&nbsp;fuentes de inspiración que narran historias de&nbsp;lucha,&nbsp;esperanza y&nbsp;cambio.Este arte representa una&nbsp;declaración de independencia frente a las adversidades del pasado, una forma de&nbsp;reapropiarse del espacio público. Los colores que cubren las calles consiguieron que Medellín sea reconocida internacionalmente, y al mismo tiempo, los artistas locales puedan compartir su trabajo con el mundo.&nbsp;<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/Comuna_13_el_barrio_de_medellin_que_renacio_con_el_arte_urbano_67f8413105.jpg">La Comuna 13 renació con el arte urbano [Imagen], por Señal Colombia<h2>El costo invisible</h2>A pesar de los logros y beneficios que trajo el auge del arte urbano en la Comuna 13,&nbsp;la gentrificación se instaló como un fenómeno controversial. La llegada de turistas y la&nbsp;inversión en el barrio dispararon los precios de las viviendas y modificaron la dinámica del lugar. Por su parte, las&nbsp;residencias antiguas, que alguna vez fueron el hogar de familias de&nbsp;clase baja, se reemplazaron por&nbsp;edificios modernos,&nbsp;cafeterías de moda y&nbsp;boutiques de lujo, orientadas principalmente a los turistas que visitan la zona atraídos por la popularidad del arte urbano.&nbsp;<h2>La resistencia</h2>La comunidad optó por nuevas formas de&nbsp;resistencia y&nbsp;autonomía. En los proyectos destacan algunos como&nbsp;Terrazas Verdes, liderados por&nbsp;Carlos Sánchez, conocido como 'Nene', con el objetivo de crear espacios de&nbsp;sostenibilidad y&nbsp;autosuficiencia dentro del barrio. Estas iniciativas buscan recuperar el espacio público para las personas que históricamente fueron ignoradas por las políticas urbanísticas. Las&nbsp;huertas urbanas y los espacios verdes son una forma de devolver el poder a los habitantes, para que sean actores fundamentales en el desarrollo del barrio.<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/Casa_Kolacho_uno_de_los_colectivos_protgonistas_en_la_transformacion_de_la_comuna_13_5fd8439a28.jpg">Casa Kolacho, el colectivo que participó en la conversión de las calles de la Comuna 13 con el grafiti y el hip-hop [Imagen], por Instagram/ @casakolacho.La&nbsp;gentrificación en Medellín transformó los barrios populares, anteriormente estigmatizados por la violencia. Ahora, estos son epicentros del&nbsp;arte urbano, que atraen al turismo y generan nuevas oportunidades económicas.&nbsp;

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Noticias

Conocé qué es y cómo se desarrolló la gentrificación artística de Medellín

Desde su temprana edad, Nandy Mondragón sintió una profunda conexión con la&nbsp;creación artística. Fue su madre, también artista, quien sembró en ella la semilla de la expresión manual y el&nbsp;dibujo. Este vínculo familiar significó el primer motor de una trayectoria que hoy la posiciona como una&nbsp;voz potente en el&nbsp;arte urbano contemporáneo.<h2>El realismo como lenguaje, la identidad como bandera</h2>El&nbsp;realismo constituye el núcleo del&nbsp;estilo artístico de Nandy Mondragón. El abordaje que elige trasciende la mera representación mimética, ya que explora el&nbsp;color y la&nbsp;forma con una mirada innovadora. Los&nbsp;efectos visuales, como el negativo, el glitch y el pixelado, irrumpen en sus obras, para generar nuevas capas de significado y&nbsp;deformar la imagen para interpelar al espectador.&nbsp;La palabra&nbsp;"Riqueza" adquiere una dimensión profunda en su vocabulario artístico. Para Nandy, este concepto se vincula directamente con el&nbsp;conocimiento de su identidad. Comprender la&nbsp;historia de su tierra, con sus múltiples facetas, es un pilar fundamental para su proceso creativo. Esta conciencia histórica nutre su&nbsp;inspiración y la define como una&nbsp;artista política. A través de su arte, comunica su ser y su pensamiento.<h2>Territorio y comunidad</h2>El&nbsp;contexto territorial y el&nbsp;espacio donde intervendrá con su arte influyen significativamente en su proceso creativo. Nandy prioriza&nbsp;escuchar el sentir de la comunidad que convivirá diariamente con su obra. Se considera un&nbsp;medio para dar voz a aquellos que históricamente fueron&nbsp;vulnerados, marginados y estigmatizados. Tiene un compromiso social que se manifiesta en la elección de sus temas y en la manera en que busca generar un impacto en su entorno.Para el proceso creativo inicia con la definición de un&nbsp;concepto, una idea o un sentimiento. Una vez establecido este núcleo, selecciona cuidadosamente los&nbsp;elementos gráficos que integrará para construir una&nbsp;narrativa visual coherente. El objetivo primordial es&nbsp;transmitir su mensaje de la manera más efectiva y resonante posible.<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/Nandy_Mondragon_en_accion_produccion_de_mural_1_1_d8a928243f.jpg"> Una artista cuya obra trasciende la estética para convertirse en una voz elocuente del territorio [Imagen], por Instagram/ @Nandy_Mondragon.<h2>Un camino de autoaprendizaje y exploración</h2>Inicialmente, se sumergió en el universo del&nbsp;manga japonés. Luego, la obra de la ilustradora Loish se convirtió en una importante influencia. Sin embargo, su fascinación por capturar la&nbsp;realidad la llevó a tomar fotografías de retratos como referencia constante. Este ejercicio empírico de observación y reproducción fue fundamental en sus inicios.Ingresó al&nbsp;Instituto Popular de Cultura (IPC), lugar que marcó un punto de inflexión en su formación. Allí, su experiencia previa le permitió destacarse entre sus compañeros. El IPC le brindó la oportunidad de explorar una&nbsp;diversidad de materiales y técnicas. Dibujar se convirtió en una actividad incesante, la&nbsp;clave para su notable&nbsp;evolución gráfica.<h2>Desafíos internos y externos</h2>El mayor&nbsp;desafío para Nandy Mondragón reside en su propio interior. Experimenta&nbsp;fases de cansancio, insatisfacción e incluso dudas, por lo que superar estas barreras internas es un proceso constante. Además, enfrenta el reto de las&nbsp;críticas y la&nbsp;impaciencia de los espectadores, con las diversas reacciones que sus obras generan.La&nbsp;naturaleza constituye una fuente inagotable de&nbsp;inspiración, aunque también encuentra estímulo en&nbsp;textos, emociones, texturas, pensamientos, experiencias y conversaciones.<h2>Las redes sociales</h2>Nandy Mondragón reconoce que las&nbsp;redes sociales representan una&nbsp;herramienta efectiva para alcanzar a una audiencia global. Estas plataformas le permitieron establecer&nbsp;conexiones valiosas con otros artistas y descubrir&nbsp;festivales y residencias a los que aspira aplicar.&nbsp;Sin embargo, también identifica&nbsp;contras significativas. Una es la proliferación de información dificulta discernir entre lo&nbsp;real y lo falso. Y, por otro lado, la incomodidad de la realidad digital que prioriza el número de&nbsp;seguidores y el&nbsp;alcance por encima de la&nbsp;calidad del trabajo artístico.<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/Muralismo_en_altura_by_Nandy_Mondragon_1_1_40053e0be2.jpg">Esta obra realizada en la ciudad de Cali, visibiliza especies locales como la rana espléndida y el lagarto azul, con el objetivo de generar conciencia ambiental y promover la preservación [Imagen], por Instagram/ @Nandy_Mondragon.Con su&nbsp;paleta realista y su profundo compromiso con la&nbsp;identidad y la&nbsp;justicia social, deja su huella en el&nbsp;tejido urbano.&nbsp;

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El arte que conecta con la realidad by Nandy Mondragón 

En las calles de&nbsp;Río de Janeiro, un ambicioso proyecto artístico irrumpió para transformar los fríos muros en coloridos y emotivos lienzos que homenajean la&nbsp;memoria afrobrasileña. Desde el año 2018, el colectivo&nbsp;NegroMuro inmortalizó a más de 60 figuras negras famosas, en busca de rescatar relatos y legados que el tiempo y la omisión institucional habían relegado a un injusto olvido. La propuesta embellece el paisaje citadino y reivindica la presencia de estos personajes en la construcción de la&nbsp;identidad cultural y política de Brasil.<h2>Muralismo reivindicativo</h2>El colectivo&nbsp;NegroMuro surgió a partir de la inquietud compartida entre el productor cultural&nbsp;Pedro Rajão y el talentoso artista visual&nbsp;Fernando Cazé, quienes identificaron una preocupante falta de representación de personalidades negras en la narrativa oficial de la ciudad. Ambos decidieron utilizar el&nbsp;arte urbano como una poderosa herramienta de&nbsp;reparación histórica, con el objetivo de mapear la&nbsp;memoria negra y proyectarla en los muros de&nbsp;barrios emblemáticos de Río de Janeiro. Cada mural busca desafiar la hegemonía cultural y resignificar el entorno urbano, de manera que visibilice a quienes sistemáticamente fueron marginados.<h2>Selección de figuras y proceso artístico</h2>La selección de personalidades que forman parte de&nbsp;NegroMuro fue un proceso cuidadoso y meticuloso, donde se priorizaron figuras cuya vida y legado tengan un&nbsp;vínculo significativo con la comunidad en la que será intervenido el mural. Antes de plasmar cada retrato, los creadores del proyecto establecieron&nbsp;diálogo con familiares, descendientes o representantes comunitarios para asegurar que la obra refleje la esencia y el impacto de la persona homenajeada.<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/El_proyecto_Academia_Negra_de_Filosofia_rindio_homenaje_a_10_filosofos_negros_brasilenos_1_2c94fb95a1.jpg"> El proyecto "Academia Negra de Filosofía" rindió homenaje a 10 filósofos negros brasileños [Imagen], por ICL Noticias.El proceso artístico comenzó con una investigación detallada sobre la vida del homenajeado, seguida de bocetos que buscan capturar su&nbsp;fuerza simbólica. Luego, en una jornada colectiva, los murales cobraron vida a través de una explosión de colores y trazos a gran escala. Esta dinámica participativa fortalece el vínculo de la población con la obra y genera un sentido de&nbsp;pertenencia y orgullo.<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/Homenaje_de_Negromuro_a_Moacir_Santos_1_fde79face8.jpg"> Moacir Santos fue un influyente músico, compositor y arreglista brasileño, reconocido por su contribución al desarrollo de la música popular y el jazz en Brasil [Imagen], por Flickr.<h2>La expansión del proyecto</h2>El proyecto&nbsp;NegroMuro comenzó como una iniciativa independiente, financiada mediante donaciones y estrategias de&nbsp;crowdfunding, con la captación del interés y apoyo de la comunidad afrobrasileña y de numerosos simpatizantes de la causa. Con el paso del tiempo, la magnitud del impacto generado atrajo la atención de instituciones culturales y del propio&nbsp;ayuntamiento de Río de Janeiro, que se sumó mediante financiamiento. Esto permitió expandir la intervención a diversos barrios y fortalecer proyectos paralelos, como el&nbsp;Circuito da Igualdade Racial, una propuesta que combina arte, historia y educación en un recorrido significativo de la cultura negra en la ciudad.<h2>Murales icónicos&nbsp;</h2>Las obras más representativas de&nbsp;NegroMuro son el mural de la legendaria cantante&nbsp;Elza Soares, ubicado en el barrio de&nbsp;Água Santa, donde la artista creció y forjó sus primeras experiencias musicales. Otro mural de gran impacto es el que rinde homenaje a la reconocida antropóloga y activista&nbsp;Lélia Gonzalez, cuya imagen está en las calles de&nbsp;Santa Teresa, donde vivió y desarrolló gran parte de su carrera. Estas intervenciones tuvieron un efecto transformador en sus respectivas comunidades.<h2>Reconocimiento internacional</h2>El impacto de&nbsp;NegroMuro trascendió las fronteras de Brasil y atrajo la atención de medios internacionales, instituciones culturales y colectivos de arte urbano de diversos países. El reconocimiento recibido como una iniciativa pionera en la lucha contra el&nbsp;racismo estructural abrió puertas a colaboraciones con artistas de otras latitudes.<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/El_proceso_de_creacion_del_mural_que_retrata_al_escritor_Machado_de_Assis_1_91f5a7b3a9.jpg">El proceso de creación del mural que retrata al escritor Machado de Assis [Imagen], por El País.Como todo en la vida,&nbsp;NegroMuro enfrenta diversos obstáculos, pero el compromiso de sus creadores y de la comunidad que los respalda se mantiene firme. Para el futuro, el proyecto planea expandirse a otras ciudades brasileñas y establecer alianzas internacionales que permitan el intercambio de conocimientos y técnicas artísticas.Este colectivo consiguió transformar el paisaje urbano de Río de Janeiro en un gigantesco museo a cielo abierto que honra la&nbsp;herencia afrobrasileña. A través de sus murales resignifica la historia y les da un lugar a figuras silenciadas.

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Negromuro, el homenaje a las grandes personalidades negras de Brasil

El mundo de la música aguarda con palpable expectación la llegada de los&nbsp;American Music Awards (AMAs) 2025. Este magno evento, reconocido por su carácter de premiación votada directamente por los fans, se prepara para desplegar su alfombra roja el próximo&nbsp;lunes 26 de mayo, coincidiendo con el&nbsp;Memorial Day estadounidense. La ciudad de&nbsp;Las Vegas recibirá la celebración y será la primera vez que se realice fuera del área de Los Ángeles.&nbsp;La transmisión en vivo podrá seguirse a través de la cadena&nbsp;CBS y la plataforma de streaming&nbsp;Paramount+. Este año, la gala rendirá tributo a las canciones y artistas más resonantes del último periodo, y también honrará a las tropas y veteranos de los Estados Unidos.<h2>Un nuevo capítulo&nbsp;</h2>La edición 2025 representa un nuevo comienzo para los American Music Awards. Tras una pausa en la producción de galas anuales desde noviembre de 2022, y un exitoso especial de aniversario transmitido por CBS en octubre de 2024, regresan. Este cambio de aires incluye su traslado a la cadena CBS, y el fin de una larga etapa en ABC.&nbsp;<h2>Explosión urbana latina</h2>Los&nbsp;artistas urbanos latinos lograron un protagonismo sin precedentes en las nominaciones. Este reconocimiento subraya la creciente influencia y popularidad de la música latina a nivel mundial. Nombres como&nbsp;Bad Bunny,&nbsp;KAROL G,&nbsp;Peso Pluma,&nbsp;Rauw Alejandro y&nbsp;Young Miko figuran en diversas categorías. <img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/Los_American_Music_Awards_2025_latinos_nominados_37502ceb33.jpg"> Los representantes urbanos latinos que estarán presentes en la ceremonia [Imagen], por Agustín Domínguez Prieto. Bad Bunny, un ícono del género, compite en la categoría de Artista Latino Masculino Favorito y Álbum Latino Favorito por "DeBÍ TiRAR MáS FOToS", además de Canción Latina Favorita por "DtMF".&nbsp;KAROL G, otra fuerza imparable, está nominada como Artista Latina Femenina Favorita y Canción Latina Favorita por su pegadizo tema "Si Antes Te Hubiera Conocido".&nbsp; Peso Pluma, está nominado en las categorías de Artista Latino Masculino Favorito y Álbum Latino Favorito por "ÉXODO".&nbsp;Rauw Alejandro, conocido por su versatilidad y sus innovadores ritmos, compite como Artista Latino Masculino Favorito y Álbum Latino Favorito por "Cosa Nuestra". Finalmente,&nbsp;Young Miko, una de las artistas emergentes más prometedoras, completa la lista de nominadas a Artista Latina Femenina Favorita, consolidando su lugar en la escena urbana.Las múltiples nominaciones no son casualidad y reflejan el&nbsp;impacto significativo de la música urbana latina en las listas de Billboard, donde sus canciones y álbumes acumulan impresionantes cifras de streaming, ventas y reproducciones en radio. La votación de los fans, pilar fundamental de los AMAs, jugó un papel crucial en este reconocimiento, lo que evidencia la conexión genuina que estos artistas establecieron con su audiencia a nivel global.<h2>Votación abierta</h2>Los&nbsp;fans son los verdaderos jueces. La votación ya se encuentra abierta a través de VoteAMAs.com y en el perfil de Instagram @AMAs. Los seguidores tienen hasta el&nbsp;jueves 15 de mayo a las 11:59 p.m. PT para elegir a sus artistas favoritos en la mayoría de las categorías. Las votaciones para Colaboración del Año y Canción Social del Año permanecerán abiertas durante los primeros 30 minutos de la transmisión en vivo a través del sitio web. Esta dinámica participativa garantiza que los premios reflejen genuinamente las preferencias del público.<h2>Un legado que trasciende&nbsp;</h2>Creados en 1973 por&nbsp;Dick Clark, los American Music Awards surgieron como una alternativa centrada en los fans a los premios Grammy. A lo largo de sus 51 ediciones, evolucionaron para reflejar los cambios en la industria musical y los gustos del público. La inclusión de nuevas categorías como Álbum del Año, Canción del Año y Canción Social del Año en esta edición demuestran su compromiso por mantenerse relevante y reconocer las tendencias actuales.<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/American_Music_Awards_AM_As_2025_logo_oficial_1_fe29892f12.jpg"> El logo oficial del American Music Awards 2025 [Imagen], por Billboard.La noche del 26 de mayo promete ser una celebración inolvidable de la música y sus protagonistas. La expectativa crece y los fans aguardan ansiosamente para ver quiénes se alzarán con los codiciados galardones en esta noche estelar en Las Vegas.

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Los American Music Awards 2025 llegan con una celebración estelar

Buenos Aires no sólo cuenta con el privilegio y el prestigio de ser la ciudad más emblemática de Argentina, sino que también se ha convertido en una de las cunas artísticas más importantes del país sudamericano.<h2>Tin, Gabo, Joa y más: algunos artistas que no conocías</h2>Más allá de contar con grandes representantes como Martín Ron, Alfredo Segatori y Seba Cener, Buenos Aires ofrece un amplio listado de artistas que dejaron su huella en las paredes de la capital argentina. Joaquin Luciano Quinteros, conocido en el ambiente artístico bajo el seudónimo de Joa, es un muralista y artista plástico con huella en barrios de la ciudad como Caballitos, Balvanera, Villa Crespo, Almagro y Montserrat a través de obras relacionadas con figuras humanas y contenido vinculado a la flora y la fauna y repletas de colores. Gabo Luna es otro de los artistas con presencia en las calles de Buenos Aires. Con piezas en homenaje al Papa Francisco y a la Fuerza Aérea y a la Armada Argentina como obras más destacadas de su currículum artístico, Gabo ha logrado dejar su impronta en sitios como Adrogué, Lanús y Longchamps y también se ha consolidado dentro del listado de artistas más undergrounds de la capital argentina. Al igual que Joa y Gabo, Tin también se ha ganado un lugar en el listado de los artistas que plasmaron su arte en los distintos barrios de Buenos Aires. Bajo la idea de plasmar la expresión y la explosión desde el color y las texturas, el argentino ha representado distintas figuras artísticas como David Bowie, Charly García, Luis Alberto Spinetta, Carlos Gardel y Keith Richards, entre otros, y ha realizado colaboraciones con marcas y festivales como el prestigioso Lollapalooza, donde creó piezas sobre los músicos presentes.<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/Golondrinas_de_Plaza_de_Mayo_obra_realizada_en_el_barrio_de_Adrogue_por_Tin_Gabo_y_mas_artistas_3b201cb416.jpg"> “Golondrinas de Plaza de Mayo”, obra realizada en el barrio de Adrogué por Tin, Gabo y más artistas (Instagram/Abromurales).<h2>Antonio Gasalla, el gran junte de los artistas</h2>Ubicado en el cruce de la avenida San Martín y Farré en Rafael Calzada, localidad del partido de Almirante Brown, y creado por los artistas Tin, Gabo, María Agustina Villalba y Joa, el mural recrea imágenes de “Esperando a la carroza”, película icónica del cine argentino dirigida por Alejandro Doria en la cual Antonio Gasalla interpreta el personaje de “Mamá Cora”. Si bien gran parte de la pieza es en homenaje a la figura encarnada por el legendario actor, la obra ubicada en Rafael Calzada también representa a otros personajes del film como Antonio Musicardi y Elvira, papeles protagonizados por Luis Brandoni y China Zorrilla, respectivamente.<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/El_detalle_de_la_representacion_en_homenaje_a_Antonio_Gasalla_783e13415e.jpg"> El detalle de la representación en homenaje a Antonio Gasalla (El Diario Sur).

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Los artistas que debés conocer del under porteño

Cix Mugre es el nombre que&nbsp;resuena en los muros de México y en diversas ciudades del mundo. Es más que un muralista, porque se encarga de narrar y transformar el&nbsp;paisaje urbano en un lienzo donde los colores vibrantes y las figuras oníricas crean un&nbsp;universo hipnótico. Cada una de sus obras es un portal que refleja la fuerza del&nbsp;muralismo mexicano y la riqueza de las&nbsp;culturas prehispánicas. A través de&nbsp;figuras caleidoscópicas y tonos&nbsp;eléctricos, evoca&nbsp;deidades antiguas, relatos mitológicos y una visión contemporánea de la&nbsp;identidad latinoamericana. Con intervenciones en más de diez países, su arte traspasó fronteras. Particularmente en&nbsp;Perú, encontró un&nbsp;eco especial, de riqueza visual y&nbsp;simbolismo andino.<h2>Trayectoria</h2>Nacido en&nbsp;Oaxaca, México,&nbsp;Antonio Triana, adoptó el seudónimo&nbsp;Cix Mugre. El artista proviene de una familia con profundas&nbsp;raíces indígenas; su padre es&nbsp;chinanteco y su madre&nbsp;zapoteca. Estas influencias fueron esenciales en su desarrollo, porque marcaron la esencia de su obra. Desde los 14 años, comenzó a incursionar en el&nbsp;graffiti y plasmó sus primeras creaciones en las bardas de&nbsp;San Antonio Tecómitl, en la&nbsp;Ciudad de México.A pesar de que el&nbsp;graffiti era visto como una actividad marginal,&nbsp;Cix no dejó que la percepción social limitara su expresión. Formó un estilo, evolucionó con rapidez, y lo que comenzó como simples tags se transformó en imponentes&nbsp;murales llenos de simbolismo. Con una técnica y temática que fueron refinándose con el tiempo, se volvió un artista capaz de reinterpretar la&nbsp;iconografía mesoamericana dentro de una estética moderna.<h2>Estilo&nbsp;</h2>El arte de&nbsp;Cix Mugre cuenta con elementos&nbsp;prehispánicos, una explosión de colores psicodélicos y una reinterpretación de la&nbsp;mitología mexicana a través de un lenguaje visual innovador. Con sus murales representa deidades como&nbsp;Quetzalcóatl,&nbsp;Tezcatlipoca o&nbsp;Tláloc, rodeadas de geometría hipnótica y patrones que recuerdan a los textiles tradicionales indígenas. Domina el color como nadie, emplea tonos&nbsp;fosforescentes, contrastes radicales y degradados que crean una sensación de movimiento dentro de cada pieza.Más allá de la estética, su trabajo tiene una&nbsp;carga profunda. Cada mural es un vínculo con el pasado, un esfuerzo por rescatar la&nbsp;memoria histórica y proyectarla hacia el futuro. En su técnica incorpora&nbsp;spray, acrílico y pincel, de manera que adapta su ejecución a cada superficie y espacio. En sus composiciones, las figuras parecen emerger desde otras dimensiones, una generación un diálogo entre lo&nbsp;ancestral y lo contemporáneo.<h2>Presencia en Perú</h2>La influencia artística cruzó fronteras y se impuso en países como&nbsp;Perú, donde su obra logró una conexión especial con la iconografía&nbsp;andina. En sus intervenciones en ciudades como&nbsp;Lima y Cusco, supo integrar elementos de la cultura&nbsp;incaica con su estilo característico, logrando un diálogo visual entre las tradiciones&nbsp;mexicanas y peruanas. El trabajo realizado en estos espacios resalta la&nbsp;hermandad histórica entre ambos países y refuerza la idea de que las civilizaciones precolombinas compartieron visiones del mundo.Por otro lado, sus murales en Perú siempre fueron recibidos con entusiasmo por la comunidad, ya que embellecen los espacios urbanos y generan un sentido de&nbsp;identidad y orgullo cultural. La fusión de&nbsp;dioses mexicas con elementos&nbsp;incaicos, como el&nbsp;Inti o el&nbsp;Puma Andino, crea una narrativa visual que refuerza la idea de un pasado compartido y de una resistencia cultural que sigue viva.<h2>Reconocimiento internacional</h2>A lo largo de su carrera,&nbsp;Cix Mugre participó en múltiples&nbsp;festivales de arte urbano y llevó su talento a diferentes continentes. En colaboración con otros muralistas de renombre trabajó y expuso su arte en países como&nbsp;Francia, Alemania, Argentina, Estados Unidos y Brasil. Tiene una habilidad para mezclar lo&nbsp;ancestral con lo futurista que le permitió consolidarse como una figura clave dentro del&nbsp;arte urbano contemporáneo. Además de su trabajo en murales, también incursionó en otras formas de expresión artística como el&nbsp;tatuaje y la ilustración digital, otra forma de llevar su estética a diferentes medios y audiencias.&nbsp;<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/Mural_de_CIX_en_Tijuana_Mexico_fdb95396f8.jpg">Obra de Cix Mugre en Tijuana, México [Imagen], por Pinterest.La&nbsp;trayectoria de Cix Mugre es un testimonio del&nbsp;poder transformador del&nbsp;arte urbano. A través de su&nbsp;estilo, logró&nbsp;contar historias y&nbsp;revitalizar tradiciones ancestrales. El estar tan presente en países como&nbsp;Perú destaca la&nbsp;universalidad de su&nbsp;mensaje y la&nbsp;capacidad del&nbsp;arte para&nbsp;unir culturas y&nbsp;generaciones.

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Murales ancestrales en clave futurista

Con la versatilidad, la sencillez y la libertad como características principales, el sticker art se ha ganado un lugar dentro de la escena del arte urbano como una de las formas de expresión artística más novedosas y originales.<h2>El arte con adhesivos que invade las calles</h2>El sticker art es una forma de arte callejero que consiste en transmitir un mensaje o representar una imagen a través de un sticker o una pegatina. Los adhesivos, protagonistas primarios en cada una de las obras de esta forma de expresión artística, no solo ofrecen una extensa variedad y libertad a la hora de seleccionar los diseños, sino que también pueden contener mensajes políticos o sociales. Los grandes centros urbanos suelen ser los sitios más elegidos por los artistas para desplegar sus obras. Sin embargo, la popularidad del estilo ha logrado aumentar el número de sitios elegidos para poner en acción el arte de los stickers y ha conquistado también pequeños centros, plazas y calles emblemáticas de ciudades.<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/Semaforos_paredes_y_escaleras_suelen_ser_sitios_conquistados_por_el_estilo_dbd615fc13.jpg"> Semáforos, paredes y escaleras suelen ser sitios conquistados por el estilo (Streets Dept).<h2>Rasgos del estilo</h2>No hay dudas de que la versatilidad del sticker art es una de las cualidades más representativas del estilo, y por lo que muchos artistas deciden hacer su camino en él. La posibilidad de pegar los adhesivos en distintas superficies como papel, madera y metal y también la capacidad de poder hacerlo en una gran variedad de sitios como paredes, escaleras, estaciones de buses o trenes y puentes transforman a la forma de expresión en una de las más sencillas y accesibles de la escena. A su vez, el estilo también cuenta con una gran facilidad a la hora de obtener los materiales y un gran abanico de personalización en los diseños de las pegatinas.<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/Sticker_art_el_arte_que_conquista_el_mundo_con_pegatinas_b258b6cc6a.jpg"> Sticker art, el arte que conquista el mundo con pegatinas (Streets Dept).El sticker art suele ser utilizado por marcas o sellos como campañas de marketing o para publicitar productos o elementos, y también tiende a ser usado por artistas para dejar su huella o tag en las obras. Los diseños suelen estar conformados por un color de fondo y la firma del autor de la pieza artística escrita con un rotulador. El arte con stickers presenta también distintas variantes artísticas como collages (superponer stickers para lograr una imagen), lettering (utilizar stickers con formas de letras para formar una frase) y stencil (utilizar plantillas para crear formas repetitivas o patrones), entre otras formas. Muchas agrupaciones o colectivos también utilizan este estilo para marcar territorios y demostrar superioridad ante el resto.<h2>Orígen y huella mundial: los primeros registros del arte</h2>A pesar de no contar con un claro registro histórico, muchas personas consideran que el sticker art tiene sus raíces en los 70s y 80s de la mano de activistas y punks que usaban pegatinas para expresar ideas políticas. Sin embargo, el arte de los adhesivos tuvo su auge como forma artística en los 90s junto con el crecimiento del graffiti y otras manifestaciones urbanas. Uno de los primeros artistas en dejar su huella en el estilo fue el estadounidense Shepard Fairey con la obra “Andre the Giant has a posse” a finales de la década de los 80. Con el correr del tiempo, el estilo fue apareciendo en distintas superficies en Italia, Francia, España y otros países y logró establecerse dentro de la escena del arte a nivel mundial.&nbsp;<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/Andre_the_Giant_has_a_posse_una_de_las_primeras_obras_del_sticker_art_280c18e0bf.jpg"> &nbsp;“Andre the Giant has a posse”, una de las primeras obras del sticker art (Deodato Arte).Países como Argentina, Colombia, Chile y México fueron las primeras naciones del continente latinoamericano en tomar el estilo y adaptarlo dentro de las distintas posibilidades de expresión artística.

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Sticker art, el arte que conquista el mundo con pegatinas

Dirigida por Bruno Stagnaro y protagonizada por Ricardo Darín, El Eternauta ha traspasado la barrera literaria y se ha consolidado como una de las series más vistas en Netflix a nivel mundial, y el arte urbano argentino ha homenajeado el éxito de la adaptación con murales inspirados en personajes y momentos de la serie.&nbsp;<h2>Los homenajes artísticos de El Eternauta</h2>El Municipio de Almirante Brown presentó una serie de intervenciones artísticas en distintos rincones del conurbano que celebran el rotundo éxito de la adaptación de la emblemática historieta argentina creada por Héctor Germán Oesterheld y Francisco Solano López. Con obras ubicadas en la intersección de las calles Pedraza y Payró (Glew), Lavalle y San Martín (Rafael Calzada), Espora y Constripto Bernardi (Adrogué) y Aristóbulo del Valle y Espora (Burzaco), los murales representan la imagen de Juan Salvo, personaje protagonista de la serie interpretado por el legendario Ricardo Darín, paisajes y locaciones de la producción como el Obelisco y viñetas y retratos originales de la icónica historieta de ciencia ficción argentina.<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/La_representacion_artistica_de_Juan_Salvo_personaje_interpretado_por_Ricardo_Darin_en_un_rincon_ec9b146972.jpg"> La representación artística de Juan Salvo, personaje interpretado por Ricardo Darín, en un rincón de Almirante Brown (Municipio de Almirante Brown)."Seguimos en Almirante Brown impulsando este bellísimo programa que llena de color las calles y rincones del distrito, esta vez homenajeando a El Eternauta, que recientemente acaba de adaptarse a una serie, llevando la cultura argentina a todo el mundo", expresó Mariano Cascallares, intendente de Almirante Brown, acerca de la iniciativa artística municipal, que busca embellecer el espacio público y ya ha retratado a varias figuras argentinas como el papa Francisco y Antonio Gasalla.<h2>¿Qué es El Eternauta, la icónica historieta argentina?</h2>Creada por el guionista Héctor Germán Oesterheld y el dibujante Francisco Solano López, El Eternauta es una de las historietas más emblemáticas de la literatura argentina y latinoamericana. La trama de la obra se centra en una invasión alienígena en la Tierra mediante una tormenta de nieve tóxica que acaba con la mayor parte de la población y la resistencia de supervivientes en la capital argentina liderada por Juan Salvo, el gran protagonista del cómic. La historieta no sólo recorre distintos lugares de Buenos Aires como el Obelisco, la avenida General Paz y el Monumental, estadio de River Plate, sino que también acompaña a los protagonistas en su lucha por sobrevivir y descubrir que ocurre en la ciudad.<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/Vineta_original_de_la_historieta_El_Eternauta_9e8001ac1c.jpg"> Viñeta original de la historieta El Eternauta (El Grito del Sur).

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El Eternauta conquistó los muros de Almirante Brown

Las&nbsp;ciudades de&nbsp;América Latina son el escenario de una&nbsp;efervescente cultura urbana que creció al ritmo de sus&nbsp;calles, absorbiendo&nbsp;influencias y generando&nbsp;manifestaciones artísticas y&nbsp;sociales con&nbsp;identidad propia. Este&nbsp;fenómeno, que abarca&nbsp;música,&nbsp;arte,&nbsp;moda y&nbsp;dinámicas comunitarias, representa una&nbsp;forma de expresión, pero principalmente los&nbsp;cambios y&nbsp;conflictos de una&nbsp;sociedad en constante&nbsp;evolución, que ofician como un&nbsp;termómetro de la&nbsp;juventud y un&nbsp;espacio donde convergen&nbsp;resistencia,&nbsp;creatividad y&nbsp;pertenencia.<h2>Orígenes y evolución</h2>A pesar de que la&nbsp;cultura urbana tiene raíces en&nbsp;movimientos internacionales,&nbsp;América Latina la&nbsp;reinterpretó con&nbsp;códigos propios. Durante las últimas&nbsp;décadas del&nbsp;siglo XX, la expansión de la&nbsp;globalización y la&nbsp;migración hacia las grandes&nbsp;metrópolis fomentaron la aparición de&nbsp;escenas locales que adaptaron las&nbsp;influencias foráneas a sus&nbsp;realidades. La&nbsp;pobreza, la&nbsp;desigualdad y el&nbsp;desencanto social fueron&nbsp;catalizadores de un&nbsp;movimiento que encontró en el&nbsp;arte y la&nbsp;música un&nbsp;medio de denuncia y&nbsp;empoderamiento.<h2>Música urbana</h2>Desde su llegada a&nbsp;Latinoamérica en los años&nbsp;80, la&nbsp;música urbana fue un&nbsp;canal de expresión para las&nbsp;voces marginadas, un&nbsp;reflejo de la&nbsp;realidad de los barrios y un&nbsp;motor de cambio cultural. Las diferentes&nbsp;comunidades se inspiraron en el&nbsp;hip hop y adoptaron sus cuatro&nbsp;elementos—MCing,&nbsp;DJing,&nbsp;breakdance y&nbsp;grafiti—como herramientas de&nbsp;denuncia,&nbsp;resistencia y&nbsp;orgullo identitario. Más adelante, combinaron&nbsp;ritmos autóctonos con&nbsp;influencias globales y dieron paso a géneros como el&nbsp;reggaetón, el&nbsp;trap y el&nbsp;R&amp;B, que transformaron por completo la&nbsp;industria musical.El&nbsp;reggaetón, nacido en&nbsp;Puerto Rico, incorporó la&nbsp;cadencia del&nbsp;dancehall jamaicano con el&nbsp;dembow dominicano. De esta manera, crearon un&nbsp;sonido inconfundible que conquistó las&nbsp;pistas de baile y luego se consolidó en las&nbsp;listas de éxitos globales. Paralelamente, el&nbsp;trap irrumpió con su&nbsp;tono crudo y&nbsp;narrativas callejeras, convirtiéndose en la&nbsp;voz de una&nbsp;generación que encontró en este&nbsp;subgénero una forma de&nbsp;relatar sus vivencias sin filtros. Por su parte, el&nbsp;R&amp;B, con su&nbsp;estética más melódica y&nbsp;sofisticada, aportó otra&nbsp;dimensión más sensual.Los&nbsp;artistas que llevaron esta&nbsp;revolución musical a&nbsp;escenarios internacionales son muchos, pero no tantos los que dejaron una&nbsp;huella de por vida.&nbsp;Daddy Yankee,&nbsp;Residente y&nbsp;Nicki Nicole son solo tres de los múltiples&nbsp;cantantes preponderantes que consolidaron una&nbsp;identidad propia dentro de la&nbsp;industria. Gracias a su&nbsp;impacto, la&nbsp;música urbana dejó de ser un&nbsp;fenómeno underground para convertirse en el&nbsp;epicentro del&nbsp;panorama sonoro contemporáneo.<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/Artistas_del_momentos_de_la_musica_urbana_b8c4b7bb85.png">Artistas protagonistas de la escena urbana [Imagen], por N Digital.<h2>Streetart</h2>La&nbsp;pintura en los muros es una&nbsp;herramienta de comunicación utilizada desde los tiempos&nbsp;precolombinos, y en la actualidad el&nbsp;graffiti mantiene viva esa&nbsp;tradición. Con un desarrollo&nbsp;vertiginoso en ciudades como&nbsp;Bogotá,&nbsp;Lima y&nbsp;Montevideo, el&nbsp;arte urbano evolucionó desde el&nbsp;tagging hasta&nbsp;murales de gran formato que&nbsp;resignifican el&nbsp;espacio público.&nbsp;Farid Rueda en&nbsp;México,&nbsp;Cix en&nbsp;Perú y&nbsp;Entes &amp; Pésimo en&nbsp;Ecuador son algunos de los&nbsp;artistas que llevaron su&nbsp;obra a&nbsp;calles de todo el&nbsp;continente.<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/Street_art_latino_ce1af0ece6.jpg">Street Art en Lima, Perú [Imagen], por Pinterest.<h2>Streetwear</h2>El&nbsp;estilo de vestir en la&nbsp;cultura urbana no responde a&nbsp;cánones impuestos por la&nbsp;alta costura. Por el contrario, surge de la necesidad de&nbsp;diferenciarse y&nbsp;marcar presencia en el&nbsp;entorno. El&nbsp;streetwear latinoamericano combina influencias del&nbsp;hip hop, el&nbsp;skate, la&nbsp;cumbia y el&nbsp;punk,&nbsp;estéticas híbridas que reflejan la&nbsp;multiculturalidad de la&nbsp;región. Con este contexto, las&nbsp;marcas independientes consiguieron un gran&nbsp;protagonismo al diseñar&nbsp;prendas inspiradas en la vida de los&nbsp;barrios, como sucede con&nbsp;Durini Streetwear en&nbsp;Ecuador o&nbsp;Supreme Colombia, porque fusionan&nbsp;comodidad y&nbsp;rebeldía con&nbsp;narrativas propias.<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/ing_of_the_kongo_una_de_las_mejores_marcas_del_streetwear_2c49527138.jpg">King of the Kongo, la marca argentina que revolucionó el streetwear [Imagen], por Tienda Nube.<h2>Deportes</h2>El&nbsp;skate, el&nbsp;BMX, el&nbsp;surf y el&nbsp;parkour son algunos de los&nbsp;deportes urbanos que transformaron la manera en que se&nbsp;habita la ciudad. En muchas&nbsp;capitales latinoamericanas, las&nbsp;plazas y los&nbsp;parques fueron intervenidos por&nbsp;jóvenes que desafían los límites del&nbsp;espacio urbano con&nbsp;acrobacias y&nbsp;maniobras imposibles. La construcción de&nbsp;skateparks en ciudades como&nbsp;Buenos Aires y&nbsp;Santiago de Chile es un reconocimiento a la&nbsp;relevancia de estas&nbsp;disciplinas, que además funcionan como herramientas de&nbsp;integración y&nbsp;superación personal. El&nbsp;cuerpo es otro de los medios de&nbsp;expresión más poderosos. El&nbsp;breakdance, hoy considerado&nbsp;deporte olímpico, generó&nbsp;comunidades que transforman&nbsp;plazas y&nbsp;esquinas en&nbsp;escenarios abiertos.<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/Breackdance_uno_de_los_deportes_urbanos_del_momento_d1974aa804.jpg">El breakdance se posiciona entre los deportes urbanos del momento [Imagen], por Todo Jujuy.Más allá del&nbsp;arte y el&nbsp;deporte, la&nbsp;cultura urbana en&nbsp;América Latina dio lugar a&nbsp;colectivos que trabajan en la&nbsp;recuperación de espacios públicos y en la generación de proyectos&nbsp;autogestionados. Las&nbsp;ferias de ropa, los&nbsp;festivales de música independiente y encuentros de&nbsp;grafiteros son algunas de las iniciativas que surgieron desde la base para desafiar las estructuras tradicionales del&nbsp;consumo y la&nbsp;producción artística. El&nbsp;Festival Color BA en&nbsp;Argentina o el&nbsp;Meeting of Styles México son ejemplos de eventos que reunieron&nbsp;talento local e&nbsp;internacional para potenciar el alcance del&nbsp;arte urbano.Lejos de ser una&nbsp;moda pasajera, tiene un impacto profundo en la&nbsp;sociedad y esto radica en que miles de&nbsp;jóvenes encontraron herramientas para enfrentar la&nbsp;adversidad y construir&nbsp;identidades sólidas en contextos de&nbsp;exclusión. A medida que las&nbsp;ciudades continúan&nbsp;transformándose, la&nbsp;cultura urbana también&nbsp;evoluciona.

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¿Qué es la cultura urbana?

Con más de treinta galerías nacionales e internacionales y la participación de artistas y colectivos como Constanza Giuliani (Argentina) y Mara Santibañez (Chile), la Feria Internacional de Arte Contemporáneo de Chile celebró su 15ª edición.<h2>Ch.ACO conquistó el Centro GAM</h2>Llevada a cabo en el Centro Cultural Gabriela Mistral (GAM), la Feria Internacional de Arte Contemporáneo de Chile, también conocida como Ch.ACO, conquistó la escena del arte chileno con un evento compuesto por más de 40 galerías latinoamericanas, 200 expositores de la escena hispanohablante y un programa multidisciplinario que incluyó proyectos educativos, espacios de diálogo, experiencias interactivas como talleres y actividades lúdicas, shows de música en vivo y una zona gastronómica con múltiples opciones, entre otros atractivos.<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/Exposiciones_dialogos_talleres_y_mas_el_listado_de_atractivos_de_la_feria_85901bab7a.jpg"> Exposiciones, diálogos, talleres y más: el listado de atractivos de la feria (Instagram/Feriachaco).<h2>Galerías, diálogos y exposiciones: los atractivos artísticas del evento</h2>La Feria Internacional de Arte Contemporáneo de Chile desplegó una oferta de atractivos y actividades artísticas con la impronta del arte hispano que conquistaron de principio a fin el Centro Cultural Gabriela Mistral . El evento contó con galerías nacionales e internacionales como Galería Aninat (Chile), Gachi Prieto (Argentina), Casa Varas (España) y Sagrada Mercancía (Chile) y, a su vez, presentó obras de colectivos independientes tales como Cholita Chic (Arica), Taller La Chalupa (Puerto Cisnes) y Banco de Talca. Con temas como la migración, la memoria y la identidad como protagonistas, Ch.ACO también fue hogar de diálogos con artistas como Constanza Giuliani (Argentina), Adolfo Bimer y Mara Santibañez (Chile) y la muestra de piezas únicas de Aiko Design (muebles modulares), LO Joyas (orfebrería en cobre) y Low Studio (iluminación sustentable). También, hubo talleres artísticos para los más jóvenes y herramientas de la Inteligencia Artificial aplicadas en el arte.<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/La_Feria_Internacional_de_Arte_Contemporaneo_de_Chile_dejo_su_huella_en_el_Centro_Cultural_GAM_5b0c6c38c2.jpg"> La Feria Internacional de Arte Contemporáneo de Chile dejó su huella en el Centro Cultural GAM (Instagram/Feriachaco).<h2>Ch.ACO, más allá del arte</h2>Si bien el atractivo principal y primordial de la Feria Internacional de Arte Contemporáneo de Chile estuvo ligado a las distintas opciones artísticas disponibles en el Centro Cultural Gabriela Mistral, el evento también contó con variantes relacionadas fuera del arte: actividades lúdicas junto con la empresa japonesa Mazda, auspiciante oficial del evento, que destacaron la fusión entre creatividad, tecnología y diseño automotriz, una plaza gastronómica con opciones para todos los gustos como cocina mapuche contemporánea, vinos biodinámicos y repostería vegana de la mano de PUELO y Jardín Mallinkrodt y un espacio de diálogo con universidades como San Sebastián, Gabriela Mistral y Católica de Temuco.

Arte Urbano

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