La colombiana Fariana se ha consolidado como una de las exponentes femeninas más importantes de la industria musical latinoamericana, y el arte urbano ha homenajeado su figura con un mural en plena Calle 8 de Miami, un lugar icónico para la comunidad latina en Estados Unidos.<h2>Fariana inmortalizada en los muros de Miami</h2>Ubicado en la Calle 8 de Miami, vía más famosa y emblemática de la Pequeña Habana y un sitio significativo para la colectividad latinoamericana en Estados Unidos, la figura de la colombiana Fariana se adueñó de uno de los muros de la zona.&nbsp;El mural representa el rostro de la artista y cuenta con una variedad de detalles que transforman a la pieza en una auténtica obra de arte: el característico cabello morado de la colombiana, las gafas de sol con el reflejo de la ciudad en ellas y los pendientes y las cadenas doradas.&nbsp;La obra fue creada por el artista Paulon, también conocido como Fumo Miles, un muralista reconocido con huella en distintos rincones de Estados Unidos, España y Alemania, entre otros sitios del mundo.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/El_detalle_del_homenaje_artistico_a_la_colombiana_en_Miami_1ed5965fa3.png"></figure>El detalle del homenaje artístico a la colombiana en Miami (Fumo Miles).“Gracias por esto familia. No saben lo mucho que me llena el corazón. Cuando pases por esta calle icónica de Miami recuerda que aquí estuvo la Nena Fina”, escribió la artista colombiana en un post en su perfil de Instagram a modo de agradecimiento por el homenaje artístico en la calle de la ciudad estadounidense.La ubicación del mural no es una simple casualidad. Además de ser un sitio reconocido por la comunidad hispanohablante, la Calle 8 de Miami también es una zona emblemática en el repertorio musical de Fariana. La colombiana grabó allí los videoclips de “El Caballito” y “Dora”, dos de sus canciones más exitosas.<h2>Paulon, el artista detrás del homenaje a la colombiana</h2>Con más de diez años de trayectoria en la corriente del arte urbano, el artista madrileño Paulon se ha convertido en un emblema del muralismo a nivel internacional. Influenciado por el arte del tatuaje y con el realismo como estilo principal en sus diseños, el artista ha dejado su huella en distintos puntos del mundo: Madrid, Miami, Arizona, Sevilla, Ámsterdam, Barcelona, Berlín y Bangkok son tan solo algunos de los destinos con la impronta de Paulon en sus muros.<img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/Mural_de_Paulon_en_Berlin_aeb7a643df.jpg"> Mural de Paulon en Berlín (Fumo Miles).<h2>¿Quién es Fariana, la artista colombiana que es furor?</h2>Farina Pao Páucar Franco, conocida artísticamente como Fariana, se ha establecido como uno de los pilares femeninos del género urbano en Colombia. Con éxitos como “El caballito”, “Dora” y “A fuego” y colaboraciones con emblemas de la industria latina como Ñengo Flow, Maluma, El Alfa, Arcángel, Ryan Castro y J Álvarez, la medellinense consolidó su figura en la escena local y se instaló como una de las estrellas más brillantes de la música latina.&nbsp;La Nena Fina, uno de los seudónimos de la artista, también ha demostrado ser una música polifuncional y completa con canciones de dancehall, reggae, reggaetón, trap, rap y pop, entre otros géneros. En pocas palabras, Fariana logró establecerse como un estandarte femenino dentro del género urbano colombiano y la industria musical latina.<img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/Fariana_el_emblema_femenino_del_genero_urbano_en_Colombia_fbad0bfb85.jpg">Fariana, el emblema femenino del género urbano en Colombia (Instagram/Fariana).

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Fariana se vuelve arte urbano en Miami

Si escuchamos la palabra arte, una de los primeros conceptos que se nos viene a la mente es la pintura. Sin embargo, y por más loco que suene, el arte urbano cuenta con un estilo que no requiere pinturas, latas o aerosoles ni elementos como pinceles o brochas para embellecer los muros y los rincones de las ciudades: el Tape Art.<h2>Tape Art, el arte que pinta con cintas</h2>Con cintas adhesivas como material emblemático y protagonista de las obras, el Tape Art consiste en crear y diseñar diferentes dibujos de todo tipo, forma, color y estilo para cubrir fachadas de edificios, muros, paradas de metro o autobús y otros rincones de la ciudad. Las cintas más utilizadas y comunes de ver en las obras son cinta de embalar, cinta de papel, cinta aisladora, popular por su flexibilidad, y cintas reflectivas o fluorescentes, usadas para efectos visuales especiales.&nbsp;<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/Mr_Galle_integrante_del_colectivo_aleman_Tape_Over_en_accion_9bfa3ce2ff.jpg"></figure>Mr Galle, integrante del colectivo alemán Tape Over, en acción (Tape Over).Los orígenes de este estilo se remontan a finales de la década de los 80 en Estados Unidos, donde un grupo de personas utilizó el suelo como lienzo para crear sobre él una serie de dibujos durante una actividad artística. Años más tarde, el Tape Art ganó popularidad y reconocimiento más allá del territorio estadounidense, tierra natal del estilo, e irrumpió con fuerza en distintos países de Europa, continente donde se desarrolló aún más y se consolidó dentro del listado de estilos artísticos.<h2>Un sin fin de beneficios y puntos altos</h2>El estilo originado en Estados Unidos presenta un sin fin de características y ventajas que lo convierten en una corriente artística única e irrepetible dentro del arte urbano. La cinta adhesiva no solo puede manipularse fácilmente para lograr los resultados deseados, sino que también se puede aplicar sobre diversas superficies como piedra, asfalto, madera, aluminio o vidrio, lo que permite llevar los diseños y los dibujos a cualquier lugar.&nbsp;Al mismo tiempo, es un tipo de arte rápido, efímero y que no requiere de un gran arsenal de elementos para poder crear las obras. Otra de las grandes ventajas y características del Tape Art es la posibilidad de llenar espacios como ventanas o techos y realizar diseños de tipo 3D que otros estilos como el muralismo, el graffiti o el stencil no presentan.&nbsp;Si bien el diseño puede mantenerse en las superficies por un largo rato, la corriente también permite retirar las piezas creadas de manera rápida, sencilla y sin dejar ningún tipo de marcas o daños sobre la superficie utilizada de lienzo, lo que ayuda a cuidar el espacio.<img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/La_Mia_referente_del_Tape_Art_a724c5810a.jpg">LaMia, referente del Tape Art (Tape Over).

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Tape Art, el arte callejero que transforma paredes con cinta adhesiva

Desde su iniciático encuentro con el&nbsp;arte a través de la&nbsp;transgresión juvenil hasta la exploración de las complejas capas de significado en el espacio público,&nbsp;Said Dokins,&nbsp;artista visual mexicano&nbsp;especializado en&nbsp;caligrafía urbana, comparte en esta entrevista su singular trayectoria y profunda visión sobre el rol del arte en Latinoamérica y el mundo. Un relato que nos adentra en un universo donde la escritura expandida se convierte en un acto político, la ciudad en un lienzo cargado de tensiones y la memoria colectiva en una fuente inagotable de inspiración.<h2>La técnica&nbsp;</h2>Said Dokins&nbsp;no se adscribe a una técnica específica. "Si bien la gente en el mundo del Street art me conoce más por mis intervenciones de escritura monumental, en realidad lo que&nbsp;me atrae es el diálogo entre los distintos niveles de inscripción". Está interesado en la interconexión entre la caligrafía, las imágenes de archivo, el video, el audio y los objetos encontrados. La&nbsp; curiosidad por ello lo llevó a explorar&nbsp;territorios inexplorados.&nbsp;"Actualmente me he interesado por el uso de herramientas de biodatos&nbsp;como el cultivo bacteriano, la secuenciación de ADN y la neuroimagen, me dan curiosidad los efectos del significado dentro del&nbsp;giro bioinformático, me hacen pensar en las interconexiones entre la vida, el texto y nuestra interpretación de la existencia".<h2>Una propuesta vital</h2>Para él,&nbsp;ser artista en Latinoamérica hoy conlleva una profunda "doble conciencia". "Por un lado la&nbsp;potencia simbólica de nuestras raíces, y por otro, las violencias estructurales que enfrentamos". En este contexto, el arte se convierte en un acto de resistencia. "Ser artista aquí es resistir a través de lo que sea, tal vez desde la poética o insistir en la memoria, no se, creo que es siempre proponer formas de vida frente a las necropolíticas dominantes".En su obra no busca transmitir mensajes cerrados. “Me interesa más&nbsp;provocar preguntas, abrir grietas". Las ideas para sus obras nacen de diversas fuentes. "Puede surgir de una herida, de una lectura, del tránsito por la ciudad, de la presión o el estrés, de un muro que me interpela, de una conversación".<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/Refraktur_Said_Dokins_public_art_installation_scultpture_001_1_1549e58652.jpg"></figure>Para Querétaro Experimental, el artista construyó un prisma cuadrangular de más de cinco metros de altura, basado en una serie de experimentos de física con materiales transparentes y reflectantes [Imagen], por Said Dokins.<h2>Un comienzo inesperado</h2>"Lo primero que recuerdo cuando alguien me dice la palabra arte, es a&nbsp;un grupo de adolescentes, incendiando una caseta telefónica en la calle", rememora. Aquella imagen impactante&nbsp;marcó su joven psique y sembró una semilla en su relación con el entorno urbano. Años después, las privatizaciones y la obsolescencia de las cabinas telefónicas se convirtieron en el&nbsp;catalizador de sus primeras intervenciones artísticas. "Un poco siguiendo las líneas de la imagen de los chicos incendiando una caseta telefónica,&nbsp;comencé a destruir los teléfonos y a rayarlos".Este acto vandálico inicial lo condujo a la escena del graffiti en la&nbsp;Ciudad de México&nbsp;durante los años noventa. Junto a su hermano y otros amigos, fundó el crew APC, cuyas siglas significaban, entre otras cosas,&nbsp;"Arte Popular Callejero". En aquel entonces, la improvisación y la rebeldía eran la norma.&nbsp;"Siempre improvisábamos algo: no teníamos válvulas así que las hacíamos con plastilina epóxica, no teníamos plumones entonces los hacíamos con desodorantes y esponjas de borrador, no teníamos aerosoles y los tomábamos de algún centro comercial, por lo regular sin pagar". Para ellos, estas acciones representaban pequeños actos de libertad&nbsp;y una forma de "devolverle a la ciudad lo que en cierto modo habían olvidado".<h2>Del graffiti latino a la bio-escritura</h2>Said Dokins tuvo&nbsp;influencias artísticas diversas y vastas. "Mis influencias cruzan distintos territorios: el graffiti latino, las escrituras medievales europeas, la caligrafía japonesa, y los sistemas simbólicos prefonéticos". La figura de Chaz Bojórquez, amigo y mentor, fue fundamental en su desarrollo.&nbsp;También lo inspiran los movimientos sociales, la filosofía, las prácticas situacionistas y la estética de lo áspero. En lo que respecta a su evolución artística fue un camino de constante exploración. "He transitado del graffiti a la instalación, de la caligrafía a la escritura lumínica y luego a la bio-escritura". Cada etapa representa un&nbsp;desafío a las convenciones&nbsp;y una búsqueda por interpretar el espacio público de manera personal.<h2>Desafíos creativos</h2>El principal desafío en su proceso creativo es&nbsp;mantenerse fiel a la intuición inicial. "Hay presiones institucionales, normativas, morales… pero intento en ese primer impulso que me lleva a hacer una obra". "También me desafía el diálogo con lo vivo, con lo que no controlo: el clima, el cuerpo, la comunidad. Creo que cada obra es más bien un campo de negociación".<h2>Inspiración urbana</h2>La inspiración trasciende los límites del mundo del arte. "Más bien creo que la ciudad me interpela, me pregunta, siempre con los límites, con las trabas, con el peligro, con la gente, con lo que no se ve. En realidad se trata de transitar, y en ese transitar encuentras las cicatrices del cuerpo social, en una biblioteca percibes los murmullos del archivo, en las bacterias que habitan nuestro cuerpo la sofisticación social, en las formas de resistencia popular la resiliencia, en la manera en que la luz cambia un muro a lo largo del día encuentras poesía".<img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/Olvido_01_1_1_22f99f0648.jpg"> Olvido, explorando la memoria como resistencia, 2022, Bogotá, Colombia [Imagen], por Said Dokins.<h2>Las redes sociales</h2>El impacto de las&nbsp;redes sociales en el arte es un hecho inapelable y Dokins tiene una&nbsp;visión crítica. "Fuera de los sistemas de control a los que pertenecen, usamos las redes sociales también como una herramienta, sin duda aceleran procesos de visibilidad, pero estas plataformas operan bajo&nbsp;lógicas mercantiles y geopolíticas muy rudas". Si bien reconoce su utilidad para la difusión, advierte sobre sus peligros. "Por lo mismo terminan estandarizando estéticas. El arte se convierte en un ‘contenido’ más y el artista en una ‘marca’".<h2>El rol del arte</h2>"Es paradójico que, siendo la cultura lo último en la escala de prioridades, aún se nos exija un rol transformador, casi mesiánico". Para él,&nbsp;el arte no tiene la obligación de resolver las crisis, pero sí la capacidad de generar nuevas preguntas, una mirada clara, con una crítica evidente por parte del artista.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/Said_Dokins_mural_Italy_OK_1_7bbfb90e87.jpg"></figure>Intervención mural del llamado Incompiuto Siciliano, estilo que refleja la corrupción del Estado y la mafia siciliana [Imagen], por Vincenzo Cascone."A veces, entender cómo funcionan las cosas&nbsp;a diferentes niveles e incluso a nivel simbólico como se relacionan diferentes materialidades y sus significados".A través de su particular&nbsp;lenguaje caligráfico urbano, Said Dokins nos invita a descifrar las complejas escrituras de la ciudad y la memoria, recordándonos que el arte, en su esencia, es una poderosa herramienta para&nbsp;cuestionar, resistir y reimaginar las narrativas que configuran nuestra existencia. &nbsp;

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La transgresora génesis de un maestro urbano

La consagración de la Selección argentina en el Mundial de Qatar se ha convertido en una gran fuente de inspiración para el arte urbano local, y la provincia de Santiago del Estero ha sumado un nuevo homenaje artístico hacia Lionel Messi.<h2>La figura de Messi inmortalizada en Santiago del Estero</h2>Ubicado en la ciudad de Frías, provincia de Santiago del Estero, el artista plástico Julián Ávila inmortalizó artísticamente uno de los momentos más recordados del capitán argentino Lionel Messi en el Mundial de Qatar: su festejo tras vencer a México en el segundo partido de la fase de grupos. El friense retrató la figura del futbolista sobre un fondo color azul marino y los rayos característicos del Sol de Mayo, uno de los emblemas nacionales argentinos más importantes.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/Vista_completa_de_la_obra_en_honor_a_Lionel_Messi_3eb86c7cea.jpg"></figure>Vista completa de la obra en honor a Lionel Messi (Julián Ávila).El mural se encuentra situado en la ex terminal de ómnibus de dicha ciudad, cuenta con unas medidas de cinco por siete metros y se ha establecido como una de las obras más imponentes de la ciudad santiagueña.<h2>El reconocimiento de los frienses y la viralidad en redes</h2>La obra en homenaje al gran ícono del fútbol argentino no sólo se ganó el corazón de los frienses, sino que el hecho de embellecer los rincones de la ciudad con obras de arte también impactó y generó una muestra de apoyo. El mural se volvió un viral en redes sociales conquistado por mensajes de agradecimiento, felicitaciones y pedidos de más obras en otros espacios públicos.&nbsp;Además de llenar la publicación con notas de admiración, los usuarios también apoyaron la iniciativa de Julián para que Lionel Messi y su entorno puedan apreciar la obra: el post cuenta con más de cuatrocientos comentarios con menciones al futbolista de Inter Miami y gente de su círculo cercano como familiares y miembros de la Selección argentina, entre otros.<h2>Conocé más acerca de Julián Ávila, el artista detrás de la obra</h2>Oriundo de la ciudad santiagueña de Frías, Julián Ávila se ha convertido en uno de los referentes artísticos más importantes y reconocidos de la metrópoli. Con obras en distintos puntos característicos de la zona como la Plazoleta del Encuentro o la antigua terminal de ómnibus, el artista plástico logró dejar su huella a través de colores, pinceladas y obras de arte y se ganó el prestigio de los habitantes frienses.<img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/Julian_Avila_el_artista_detras_del_homenaje_artistico_a_Lionel_Messi_6290145f40.jpg">Julián Ávila, el artista detrás del homenaje artístico a Lionel Messi (Julián Ávila).Como gran artista, Julián presenta un excelente currículum repleto de obras, temáticas y técnicas que lo respaldan como uno de los emblemas del arte urbano en Santiago del Estero: el artista plástico ha realizado murales y pinturas sobre lienzo con figuras humanas, paisajes y elementos de la naturaleza como protagonistas.

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Messi inmortalizado en las calles de Santiago del Estero

El mural&nbsp;"La Magia de lo Invisible", una creación del talentoso artista puntano&nbsp;Gonzalo Tellería, elegida como el&nbsp;segundo mejor mural del mundo en el mes de mayo. Esta obra maestra con una rica cosmovisión indígena, simbolismo y una explosión de color, llamó la atención de jurados y espectadores en la prestigiosa plataforma internacional&nbsp;Street Art Cities.&nbsp;<h2>La esencia detrás de "La Magia de lo Invisible"</h2>La ubicación exacta es en las esquinas de&nbsp;Milone y Perinetti, en el barrio Sol Naciente de Villa Mercedes. Esta pieza es como una ventana a lo inmaterial, a ese universo etéreo que escapa a la percepción común.&nbsp;La obra presenta una composición cautivadora; un&nbsp;puma y un colibrí, animales con profundo significado espiritual en diversas culturas ancestrales, se entrelazan en un tapiz visual de&nbsp;ojos y colores intensos, donde predominan los&nbsp;verdes, violetas y marrones.&nbsp;La elección del puma, símbolo de fuerza y liderazgo, y el colibrí, que representa la alegría y la resurrección, no es fortuita, ambos animales actúan como guías en este viaje hacia lo inmaterial. Los&nbsp;ojos dispersos en la composición actúan como portales, miradas que observan y son observadas.El propio artista describe su creación como una representación de “lo intangible, lo espiritual, las visiones que transmiten las plantas medicinales y la presencia de animales de poder”. Una declaración que revela la profundidad filosófica de la obra, una invitación a explorar dimensiones más allá de lo físico, a conectar con lo sagrado y lo ancestral.<h2>Competencia y voto popular</h2>Cada mes, la plataforma organiza un certamen que elige los murales más destacados alrededor del mundo. De esta selección mensual, los tres murales más votados avanzan a la&nbsp;competencia anual, que se celebra en diciembre, donde se elige al mejor mural del año a nivel global.&nbsp;El sistema de votación, accesible para todo aquel que quiera participar (<a href="https://streetartcities.com/awards/2025-05">https://streetartcities.com/awards/2025-05</a>), implica seleccionar la obra deseada, hacer clic en el botón de votación y confirmar la elección a través de un correo electrónico de validación, garantizando la transparencia del proceso.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/Reconocimiento_municipal_al_artista_Gonzalo_Telleria_por_su_destacada_participacion_en_concurso_mun_1ff6f2970c.png"></figure>Entre casi un centenar de obras espectaculares, "La Magia de lo Invisible" logró ser una de las dos mejores del mundo [Imagen], por Instagram/ @cm.noticias.La movilización de la comunidad fue crucial para el éxito. El llamado a votar se difundió rápidamente, y miles de personas respondieron con entusiasmo. Este apoyo masivo subrayó el orgullo por la obra y el reconocimiento colectivo del potencial del arte como motor de desarrollo cultural y turístico para la provincia.&nbsp;<h2>Influencias de un artista global</h2>Gonzalo Tellería, de 32 años, no es un artista convencional y su trayectoria es un reflejo de una búsqueda constante de conocimiento y expresión. Con el perfil&nbsp;@mundo.reves en redes sociales, comparte sus obras, que se extienden por diversas provincias argentinas y por Brasil, donde residió durante cuatro años.&nbsp;La experiencia en el país vecino, particularmente su inmersión en una&nbsp;aldea indígena, marcó un antes y un después en su proceso creativo. Estas vivencias enriquecieron su paleta de colores e infundieron en su arte una profundidad espiritual y un respeto por la naturaleza que lo distinguen.&nbsp;La habilidad para plasmar ideas en una narrativa visual atractiva es una de sus mayores fortalezas. Con un estilo distintivo, caracterizado por usar elementos figurativos y abstractos, crea una experiencia inmersiva para el espectador. Además, la rapidez con la que completó la obra, en apenas&nbsp;cuatro días, es la prueba más fehaciente de su dominio técnico y la claridad de su visión.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/Villa_Mercedes_en_el_podio_del_arte_urbano_mundial_Hoy_cierran_las_votaciones_y_tu_voto_pue_1_2a097532a1.png"></figure>La conexión con las plantas medicinales y su preponderancia en las ceremonias ancestrales se manifiestan en la energía que emana de "La Magia de lo Invisible" [Imagen], por Instagram/ @villamercedesinfo.La visibilidad que brinda Street Art Cities es invaluable, no solo para el artista, sino para la ciudad que alberga la obra, atrayendo a amantes del arte y turistas de todas partes del mundo, quienes ahora tienen una razón más para visitar Villa Mercedes y explorar su riqueza cultural.

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Un mural argentino en el top mundial de mayo

En un despliegue sin precedentes de arte y cultura, la ciudad española de Ávila se convirtió en una de las exhibiciones de arte urbano más impactantes a nivel global:&nbsp;Mexicráneos. Esta exposición transformó el céntrico&nbsp;Paseo El Rastro en una galería al aire libre y deslumbra con sus&nbsp;imponentes cráneos gigantes.<h2>Concepto Mexicráneos</h2>Ávila abraza una manifestación artística de la tradición mexicana combinada con la modernidad del arte urbano. Durante el mes de junio, la capital abulense tendrá&nbsp;12 de las emblemáticas esculturas de Mexicráneos, un proyecto que cautivó a millones de personas.La exposición recorrió importantes ciudades, entre ellas&nbsp;Salamanca, León, Cádiz, Zaragoza, y varias ubicaciones de la&nbsp;Comunidad de Madrid, como el Aeropuerto Adolfo Suárez Madrid-Barajas y el icónico Parque de El Retiro. A lo largo de los años, esta exhibición alcanzó a más de&nbsp;18 millones de personas, consolidándose como un&nbsp;proyecto artístico singular por su capacidad para romper con ideas preconcebidas y promover un diálogo abierto sobre la pérdida y el duelo.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/mexicraneos_2_1_e48b77f7cf.jpg"></figure>Este espacio patrimonial emblemático junto a la muralla de Ávila ofrece a vecinos y visitantes una experiencia cultural diferente [Imagen], por Tribuna Ávila.<h2>El alma del Día de Muertos&nbsp;</h2>La esencia de Mexicráneos reside en su profunda inspiración en el&nbsp;Día de Muertos, una festividad tradicional mexicana. Lejos de ser un lamento, es un homenaje a la vida y a la memoria de aquellos que ya no están. La exposición revela el&nbsp;lado artístico y colorista de la cultura funeraria. Las&nbsp;llamativas propuestas, caracterizadas por colores intensos y composiciones intrincadas, reflejan las&nbsp;tradicionales figuras cadavéricas y la rica&nbsp;cultura del país.Cada&nbsp;escultura a gran escala es una obra maestra, realizada por&nbsp;artistas de renombre nacional e internacional. Estos creadores reinterpretaron de forma contemporánea las&nbsp;tradicionales calaveras mexicanas, transformándolas en un&nbsp;homenaje a la vida, la memoria y el arte.&nbsp;<h2>Un puente cultural entre México y España</h2>La llegada de Mexicráneos a Ávila también refuerza los&nbsp;lazos de hermanamiento de la ciudad con&nbsp;Morelia, México. Esta conexión cultural representa un&nbsp;intercambio de ideas, tradiciones y visiones sobre la vida y la muerte.&nbsp;<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/Las_imponentes_esculturas_de_Mexicraneos_2_1_d1b07946f3.jpg"></figure>La cuarta edición de Mexicraneos está en marcha [Imagen], por Salamanca Diario.Las imponentes esculturas de Mexicráneos, cargadas de simbolismo y expresión artística, invitan a cada transeúnte a detenerse, contemplar y a encontrar una nueva perspectiva sobre la existencia y el recuerdo.&nbsp;La ciudad se transforma en un lienzo, y sus habitantes, en espectadores de una narrativa milenaria que hoy resuena con una modernidad impactante. &nbsp;

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La cultura mexicana copó Europa en un despliegue sin precedentes

Con obras en distintos rincones de la ciudad de Pereira y más de diez años de vigencia en la escena del arte urbano colombiano, el colectivo Revolucionarte se estableció como una de las agrupaciones artísticas más reconocidas de América Latina.<h2>Colectivo Revolucionarte, un ícono del arte urbano colombiano</h2>Bajo la conducción de Yefer Marín, el colectivo Revolucionarte logró asentarse en la élite del arte urbano colombiano y se consolidó como el referente número uno en Pereira, municipio colombiano y capital del departamento de Risaralda. Con figuras locales como Oxy, Ximena Tabares, Cristian Martínez y Cloud Graffiti dentro de los principales representantes, la agrupación lleva más de diez años de presencia en la escena local y ha conseguido adueñarse de un sitio en el olimpo artístico latinoamericano. La figura del colectivo no solo ha dejado huella en los sitios más emblemáticos de Pereira, sino que también conquistó otras regiones del país.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/El_colectivo_Revolucionarte_en_accion_58d85c094e.jpg"></figure>El colectivo Revolucionarte en acción (Instagram/Colectivo Revolucionarte).<h2>La carta de presentación del colectivo</h2>Así como cada artista cuenta con su currículum conformado por las obras más emblemáticas de su carrera artística, el colectivo Revolucionarte no se escapa de la lógica y también presenta un listado de piezas que lo catalogan como una de las agrupaciones más importantes de Colombia. Ubicada en la fachada de la Sala Carlos Drews Castro del Teatro Santiago Londoño en la ciudad de Pereira, la obra “Metáfora del equilibrio” se ha consolidado como una de las piezas maestras del colectivo. Con un diseño protagonizado por una niña que medita y ofrece su corazón amarillo en sus manos y acompañado de especies endémicas de esa región de Colombia como un mono aullador y un oso de anteojos, la pieza fue reconocida por la plataforma Street Art Cities como el Mejor Mural del Mundo y cautivó la atención no sólo de la escena artística local sino también del continente. “Lucy, el color de un pensamiento” es otra de las obras con mayor reconocimiento del colectivo Revolucionarte: la pieza representa la imagen de Lucy Tejada, una de las artistas pereiranas más importantes de todos los tiempos. Al mismo tiempo, el proyecto “Corocito Nos Une” y la pieza “Origen” son dos de las creaciones que también integran el catálogo de las obras con más popularidad del colectivo colombiano.&nbsp;<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/Parte_del_proyecto_Corocito_Nos_Une_del_colectivo_Revolucionarte_12808586f5.jpg"></figure>Parte del proyecto "Corocito Nos Une" del colectivo Revolucionarte (Instagram/Colectivo Revolucionarte).

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Colectivo Revolucionarte, la agrupación que pinta los rincones de Pereira

En un mundo donde el arte emerge como un espejo de la sociedad, pocos artistas logran capturar la esencia de su entorno con la autenticidad y el compromiso de&nbsp;Sr. Frijol. Desde las calles de&nbsp;Soacha, Colombia hasta los&nbsp;lienzos internacionales, este artista forjó una carrera donde el grafiti y la ilustración son vehículos de expresión, comunicación y transformación social. Tiene una&nbsp;obra que, cargada de un espíritu positivo y popular, refleja una trayectoria marcada por la búsqueda de un mensaje que resuene con el&nbsp;pulso latinoamericano.<h2>Aerosoles como grito de libertad</h2>La mayor satisfacción que le da crear arte es, sin duda, la&nbsp;libertad de expresión, "Y ver la cara de felicidad de las personas a las que les transmite", sostiene. Una afirmación que encapsula la esencia de su trabajo que se basa en un arte que no solo embellece espacios, sino que también genera una&nbsp;conexión emocional&nbsp;profunda con su audiencia.Franco de Colombia es un pionero en el arte urbano colombiano. Ya en sus&nbsp;inicios artísticos a finales de los noventa y principios de los dos mil, se dio un momento crucial para Colombia con la llegada del internet. "En esa transición de lo análogo a lo digital, me atravesó un sentimiento de libertad acompañado de necesidad de expresar poniendo en la calle mis dibujos con aerosoles de las experiencias que tenía en esos momentos", explica. Así, la calle se convirtió en su primera galería, un espacio de encuentro y experimentación.<h2>Ser artista&nbsp;</h2>Ser artista en Latinoamérica hoy, para Franco, es una experiencia de&nbsp;creación constante. "Significa vivir un momento de creación constante donde te desarrollas y evolucionas a partir de las características que tiene las ciudades donde habitas", reflexiona. Esta perspectiva subraya la profunda conexión entre el artista y el pulso vibrante de las urbes latinoamericanas, donde la inspiración surge de la vida cotidiana."El rol del arte en la sociedad actual es el de comunicación, de&nbsp;transmitir emociones por medio de la libertad", afirma. Para él, el arte es un puente que conecta a las personas a través de las emociones, siempre enmarcado en el principio de la&nbsp;libre expresión.<img> Mural realizado en el Festival 'A Contramano' en Galicia, Ciudad Bolívar, Bogotá Imagen], por Franco de Colombia.<h2>El nacimiento de una obra</h2>Fuera del mundo del arte,&nbsp;encuentra inspiración en los viajes. "Conociendo y escuchando gente de otros países, haciendo intercambios gastronómicos", detalla. Estas experiencias culturales y culinarias enriquecen su perspectiva y nutren su creatividad.Para él, la concepción de una nueva obra es un proceso que comienza con la rutina. "Inicia mi día, acaricio mis gatos, tomo una ducha caliente en la mañana y debajo del agua se me ocurren las nuevas ideas que voy a desarrollar en el día o en mis siguientes proyectos", revela. Este ritual matutino se transforma en un&nbsp;catalizador creativo, un espacio de lucidez donde las ideas fluyen libremente.Los&nbsp;desafíos durante el&nbsp;proceso creativo para Franco están intrínsecamente ligados a la realidad de su país. "La estabilidad económica de mi país son desafíos que hay que vivir a diario en los procesos creativos", admite. Esta declaración subraya la resiliencia necesaria para crear arte en contextos donde la incertidumbre económica es una constante.<h2>Forjando influencias</h2>Las&nbsp;influencias artísticas que recogió a lo largo de su vida son un crisol de la cultura popular y el entorno urbano.&nbsp;Michael Jackson fue su primera inspiración, seguido por los canales musicales internacionales que trajeron el movimiento&nbsp;Hip Hop a Colombia. "Agrupaciones americanas y europeas acompañados de graffitis y buenos Dj’s" alimentaron su imaginación. Luego, las revistas locales e internacionales, donde descubrió a&nbsp;Can Two, uno de los artistas del&nbsp;grafiti que inicialmente lo inspiró, consolidaron su visión.&nbsp;Hoy, tiene muy claro que estilo es el que más lo representa. "Las ilustraciones del personaje que cree llamado Señor Frijol", enfatiza. Un personaje que se convirtió en su&nbsp;sello distintivo y que encapsula su estilo único de ilustración. Este se integró a su obra junto a diferentes exponentes y crews de graffiti, y lo utilizó para innovar y crear diferentes campañas sociales y publicitarias con empresas como: Nike, Chevrolet, Discovery Chanel, Go Rigo Go, Budweiser, Johnnie Walker, Jack Daniels, Coca Cola, Cerveza Aguila, Grupo Orbis, Selina, Tiendas D1, Montana Colors, Grolsch, Pintuco, Virgin Mobile, Totto entre otras.<h2>Escuchar a través del mural</h2>La&nbsp;evolución artística de Franco fue un proceso dinámico y empático. "Mi evolución artística se produjo de muchas maneras, empezando por escuchar y ver las reacciones que tienen las personas que ven los murales que pinto, así entiendo más al ser humano", afirma. Este enfoque sensible le permitió cultivar, cosechar y disfrutar los grandes y pequeños sueños trazados en su trayectoria.El mensaje que busca transmitir es, por lo general, positivo y explica que su arte se convierte así en un reflejo de las&nbsp;experiencias vitales, filtradas a través de una lente optimista y accesible para el público.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/obra_de_frijol_1_1_01e7dba563.jpg"></figure>Aguaje remix, así fue titulado este mural desarrollado en la capital colombiana [Imagen], por Franco de Colombia.<h2>Proyectos futuros</h2>Los proyectos futuros de Franco son ambiciosos y prometedores. Además de darle nacimiento al&nbsp;Art Toy del Señor Frijol, se enfoca en "darle continuidad a un proyecto que me llena mucho personalmente, siento que es la misión que vine a hacer en este plano". Este proyecto se llama&nbsp;“Cuestión de Carácter Fest”, un festival que ya tuvo su primera versión en Bogotá, reuniendo a artistas que pintan e ilustran personajes en las calles. "Estamos consiguiendo los recursos para realizar la 2da versión en Bogotá o realizar este formato internacionalmente aportando a la escena urbana de las diferentes ciudades del mundo", revela, demostrando su visión de expandir el impacto del arte urbano. <img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/frijol_junto_a_dos_de_sus_obras_1_5e1e829556.jpg"> En el centro Franco junto a un Sr. Frijol en proceso de creación, acompañado por dos de sus murales, uno en cada lado [Imagen], por Franco de Colombia.

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Franco de Colombia “La mayor satisfacción del arte es la libertad de expresión”

El arte no sólo ha logrado conquistar museos, muros y paredes con distintas obras y estilos, sino que también ha conseguido dejar su huella en el mundo de los videojuegos con títulos como “Passpartout”, “SuchArt: Genius Artist Simulator” y “Eastshade”.<h2>Passpartout</h2>Publicado en el año 2017 y desarrollado por Flamebait Games, “Passpartout” es uno de los títulos artísticos con mayor reconocimiento dentro de la escena gamer. El título ofrece a los jugadores la posibilidad de ocupar los zapatos de un artista francés que intenta navegar por el mundo del arte mientras crea, pinta y vende sus propias obras para mantener su subsistencia y busca consolidarse como un emblema notable del arte local e internacional. El videojuego se encuentra disponible en PC, Nintendo Switch, iOS y Android, entre otras tantas plataformas.<div class="raw-html-embed"><iframe width="560" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/hVHgsGf2iV4" frameborder="0" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen=""></iframe></div><h2>SuchArt: Genius Artist Simulator</h2>Desarrollado por Goose Minded, “SuchArt: Genius Artist Simulator” es otro de los títulos artísticos más reconocidos dentro del mundo de los videojuegos. Bajo la premisa de ser un genio de la pintura que vive en el año 2130, el juego consiste en mejorar y personalizar tu estudio artístico, cumplir encargos de tus clientes, vender y exponer obras de arte, comprar elementos para incrementar la calidad de tu trabajo y alcanzar la fama como uno de los mejores artistas de la escena. Sí, la experiencia de ser un pintor en todos sus aspectos. A su vez, el videojuego también cuenta con una cualidad que otros títulos no: la realidad. Dentro de “SuchArt: Genius Artist Simulator”, los usuarios podrán experimentar mezclas naturales de colores y distintas texturas, efectos y trazos dependiendo de la pintura y el utensilio. El título únicamente ofrece la posibilidad de adquirirlo y disfrutarlo para usuarios de PC.&nbsp;<div class="raw-html-embed"><iframe width="560" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/G05BljzlivY" frameborder="0" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen=""></iframe></div><h2>Eastshade</h2>“Eastshade” también se ha ganado un lugar dentro del listado de los mejores videojuegos artísticos en la escena gamer. Desarrollado por Eastshade Studios, el título invita a los usuarios a la posibilidad de convertirse en un pintor viajero que recorre y explora la isla de Eastshade mientras captura y pinta los distintos paisajes que visita en un lienzo para cumplir así los últimos deseos de su madre y conversa con los distintos personajes que se encuentra en el camino. ¿Qué plataformas podrán disfrutar del videojuego? Los jugadores de PC, Xbox y PlayStation tendrán la oportunidad de adquirir el título y disfrutar de la experiencia de viajar y pintar.&nbsp;<div class="raw-html-embed"><iframe width="560" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/mYslaGEMs4o" frameborder="0" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen=""></iframe></div>

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Los tres videojuegos que debés probar si amás el arte

La Plaza Hidalgo no solo cuenta con el privilegio de ser uno de los espacios públicos más emblemáticos y antiguos de la ciudad de León, sino que también es la casa de uno de los murales más espectaculares del mundo Batman en México.<h2>El universo Batman copó León</h2>Inaugurado en el marco de la primera edición de la IMJU-Con, espacio creado por el Instituto Municipal de las Juventudes (IMJU), el mundo Batman colmó la ciudad de León con un mural de 150 metros cuadrados con las figuras de los personajes más representativos de la saga. Creada por Zhot, Brote, Dante, Crook, Bler, Mane, Dany y Onza, ocho artistas urbanos de renombre de la zona, y ubicada en el Bulevar Juan Alonso de Torres de la ciudad de León, la obra cuenta con la presencia de varias versiones de Batman y los rostros de Bane, Harley Quinn, el Guasón, Gatubela, el Espantapájaros, Hiedra Venenosa, Robin, el Acertijo, el Pingüino y el Batimóvil, entre otros tantos elementos emblemáticos del universo del Caballero de la Noche.<img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/La_inauguracion_del_mural_en_el_marco_de_la_IMJU_Con_7ddde74388.jpg">La inauguración del mural en el marco de la IMJU-Con (Instagram/TVMOS_).“Hoy representa este mural muchas cosas para su servidora y espero que también para ustedes. Representa nuevamente el compromiso que hacemos desde el municipio de León para trabajar de la mano con las causas sociales que realmente hagan que León, se viva mejor”, reconoció Alejandra Gutiérrez, alcaldesa de León, sobre el trabajo de los artistas urbanos y su ayuda para con el turismo de la ciudad.Además de formar parte del estreno de la IMJU-Con, evento dedicado a la comunidad geek que contó con actividades como cosplays, torneos de Calabozos y Dragones, trivias de anime, bailes de K-pop y exhibiciones y venta de productos, el mural emblema de DC Cómics también integró el programa Muraleón, que embellece los espacios públicos y promueve la identidad de la metrópoli mexicana.<h2>Zhot, Brote y más: nombres recurrentes en el arte leonés</h2>Más allá de haber estado detrás del monumental tributo artístico al universo Batman, artistas urbanos locales como Zhot, Brote, Dante y Crook, entre otros tantos nombres, también tuvieron un alto porcentaje de participación en el embellecimiento artístico de la ciudad mexicana. Obras como “De la cueva al muro”, “Mercado La Esperanza”, “Un tipo de cuidado”, “El Principito” y “Mercado "El Carro Verde" son tan solo algunas de las piezas que llevan la firma de dichos artistas y llenaron de color y vida los muros de diferentes puntos de interés de la ciudad.&nbsp;<img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/Un_tipo_de_cuidado_pieza_creada_por_los_artistas_Brote_y_Zhot_fac0791a56.jpg">“Un tipo de cuidado”, pieza creada por los artistas Brote y Zhot (IMJU).<h2>El arte urbano reina la ciudad mexicana</h2>No hay dudas de que uno de los principales protagonistas del embellecimiento artístico del espacio público de la ciudad de León es el Instituto Municipal de las Juventudes, también conocido como IMJU. El organismo no sólo estuvo detrás de la creación de la monumental obra dedicada al universo Batman en el Bulevar Juan Alonso de Torres, sino que también impulsó piezas en tributo a distintas sagas legendarias como Los Caballeros del Zodiaco (calle Mayaguez esquina con Libramiento Morelos), X-Men (bulevar Hidalgo), Los Simpsons (bulevar La Luz) y Volver al Futuro (bulevar Hidalgo y esquina con Juan Alonso de Torres).<img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/Mural_del_proyecto_Muraleon_71a5e0a7a5.jpg">Mural del proyecto Muraleón (Muraleón).También llevado a cabo por el IMJU, el proyecto Muraleón fue otro de los planes que colmó de arte la ciudad mexicana y se consolidó como uno de los movimientos artísticos más populares de la metrópoli. Con el objetivo de fortalecer la identidad, decorar el espacio público local y promover el arte urbano, el programa fue testigo de más de cincuenta obras en los distintos puntos más emblemáticos de la ciudad.

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Batman toma León: el mural que reúne al Guasón y más íconos del universo

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