Otro año más, el&nbsp;Miami Art Week fue una experiencia singular para los&nbsp;amantes del arte.&nbsp;Fue una declaración de cómo transformar comunidades y redefinir espacios urbanos.&nbsp;Wynwood&nbsp;y el&nbsp;Design District fueron testigos de este impacto, al demostrar cómo la creatividad puede revitalizar y enriquecer una ciudad. Cada mural, exposición e instalación contribuyó a un legado cultural que inspira a todo el mundo. El recorrido a pie de ambas ciudades fue un broche de oro que encapsuló el alma artística miamense.<h2>Wynwood</h2>Hace unas décadas era un conjunto de fábricas y almacenes abandonados, hoy es un epicentro artístico.&nbsp;Wynwood Walls, el corazón del distrito, volvió a sorprender con murales renovados de artistas internacionales. Para esta edición transformaron las paredes en lienzos monumentales, haciendo de este espacio abierto un museo al aire libre.Muy cerca, el&nbsp;Museum of Graffiti es una mirada profunda al origen y la evolución de la&nbsp;práctica callejera&nbsp;como forma de expresión. Esta institución, la primera de su tipo en el mundo, rinde homenaje a la&nbsp;cultura callejera, con piezas históricas e instalaciones modernas. Para complementar la experiencia,&nbsp;The Art of Hip Hop celebró la influencia de este&nbsp;movimiento cultural en las artes visuales, de forma que destacó su impacto global.Pero Wynwood no se detiene en lo urbano. Los eventos como&nbsp;Red Dot Miami y&nbsp;Spectrum Miami amplían los horizontes artísticos porque reúne a&nbsp;talentos emergentes y consagrados en un solo lugar. Estas ferias cuentan con una gran diversidad, por abrir puertas a nuevas perspectivas en el mundo del arte contemporáneo. Por otro lado, The Margulies Collection, ubicada en un almacén restaurado, alberga piezas icónicas de artistas como&nbsp;Andy Warhol&nbsp;y&nbsp;Jackson Pollock, además de una sección dedicada a la fotografía española que cautiva por su enfoque introspectivo.<h2>Design District</h2>A pocos pasos de Wynwood, el&nbsp;Design District&nbsp;despliega un contraste fascinante. Durante la semana, la instalación interactiva&nbsp;Pearl Jam de Nicole Nomsa Moyo capturó la atención con una exploración de la conexión humana y la naturaleza. Aquel enfoque en la&nbsp;sostenibilidad&nbsp;y la tecnología fue, sin dudas, una&nbsp;experiencia sensorial única.La&nbsp;Colección Craig Robins&nbsp;también se sumó, con la&nbsp;exposición&nbsp;The Sleep of Reason inspirada en la obra de Goya. Este montaje combinó piezas contemporáneas con una mirada reflexiva sobre la tradición artística, que conectó pasado y presente. Cabe destacar que Design District no solo se limitó a&nbsp;galerías, en las calles mismas el&nbsp;diseño arquitectónico y las&nbsp;intervenciones artísticas convivieron de manera armoniosa.Además, Art Basel Miami Beach, el evento más esperado de la semana, atrajo a coleccionistas y curiosos de todo el mundo. Con sus pabellones que sobresalieron por reunir obras maestras de renombrados artistas internacionales, junto con&nbsp;propuestas experimentales que desafiaron al&nbsp;arte contemporáneo&nbsp;en sí. La instalación inmersiva fue de lo más notable, porque permitió a los visitantes interactuar directamente con la&nbsp;obra.En las playas de Miami, las instalaciones sobre la arena tuvieron un enfoque más relajado y&nbsp;accesible al arte. Las&nbsp;esculturas&nbsp;y estructuras temporales se alinearon con el horizonte, para crear un paisaje surrealista que combinó la naturaleza con la&nbsp;creatividad humana. Estas&nbsp;piezas, diseñadas para integrarse con el entorno fueron un contraste refrescante con las propuestas más formales de las galerías y los museos.<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/El_arte_de_Miami_46691048e8.jpg">[Imagen], por The Hollywood reported.Lo distintivo de esta última jornada fue la posibilidad de explorar todo a pie. Wynwood y el Design District están físicamente cerca y conectados por un espíritu creativo compartido. Mientras Wynwood celebra la espontaneidad y el carácter experimental del&nbsp;arte urbano, el Design District destaca por su&nbsp;sofisticación&nbsp;y enfoque en la innovación. Ambos, son un panorama completo que captura la&nbsp;esencia multifacética del evento.Para quienes buscan un&nbsp;final memorable, estos vecindarios son la elección perfecta. Cada espacio invita a sumergirse en el arte de maneras completamente diferentes. Además, la posibilidad de descubrir nuevas propuestas en un entorno tan diverso garantiza una experiencia que queda grabada en la memoria.<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/Exposiciones_de_la_semana_del_arte_en_Miami_6117452d02.jpg">[Imagen], por Miami Diario.El cierre de Miami Art Week en estos dos vecindarios fue una celebración del arte en todas sus formas. La ciudad se reafirmó como un epicentro de creatividad global, siendo el&nbsp;reflejo perfecto de la energía artística que habita en ella. &nbsp;

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Noticias

La nueva edición del Miami Art Week

Además de ser uno de los futbolistas más populares de toda la historia, Diego Maradona es una de las fuentes de inspiración más importantes para los artistas argentinos y de todas partes del mundo.Provincias del país sudamericano como Buenos Aires, Santa Fe y Córdoba cuentan con una gran diversidad de obras dedicadas al astro argentino.<h2>Buenos Aires</h2>La capital y la ciudad más poblada de Argentina es uno de los sitios con mayor cantidad de murales dedicados a la figura de Diego Armando Maradona en todo el país sudamericano.&nbsp;Ubicado en el barrio porteño de Constitución y pintado sobre la medianera de un edificio de doce pisos, la obra de Martín Ron se ha consolidado como uno de los murales maradonianos más importantes de Buenos Aires y del país. El artista y su equipo de trabajo plasmaron sobre la construcción una imagen de Diego Maradona con la camiseta de la Selección argentina durante el Mundial de Italia 1990. El mural, que tiene 45 metros de altura y 40 metros de ancho, demandó 800 litros de pintura y formó parte de un proyecto impulsado por la empresa argentina YPF en marco del sexagésimo segundo cumpleaños del Diez.<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/El_mural_de_Maradona_en_Constitucion_creado_por_Martin_Ron_en_plena_creacion_9e8256f78c.jpg"> [Imagen], por BA Street Art.Maxi Bagnasco, quien ha creado obras en países como Brasil, Italia y Estados Unidos, entre otros, y ha colaborado con marcas e instituciones como Nike o Inter Miami, se ha ganado el honor de ser el creador de otro de los murales icónicos de Pelusa en Buenos Aires. Ideada por un amigo de la familia Maradona, la obra fue pintada en un edificio de Canning, Ezeiza, y mide 40 metros de alto por 12 metros de ancho. Además, el mural contó con la participación de Claudia Villafañe, ex esposa, y Giannina Maradona, hija del Diez, en el proceso de creación del mismo.<h2>Santa Fe</h2>Al igual que la capital argentina, la provincia ubicada al noroeste del país sudamericano también cuenta con varias obras dedicadas a la figura del nacido en Lanús, que vistió la camiseta de Newell’s, uno de los equipos más populares de la metrópoli y del país.El estadio Marcelo Bielsa, recinto de la Lepra, es hogar de una de las obras dedicadas a Maradona más populares de todo Rosario. La pared ubicada detrás de la popular visitante fue pintada con una imagen icónica de Pelusa durante su etapa en el club rosarino.<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/El_homenaje_artistico_a_Maradona_en_la_cancha_de_Newell_s_ec28b3df10.jpg"> [Imagen], por Diario Olé.Otro de los murales maradonianos más populares de Rosario fue pintado por el artista local Lacast. Ubicado en Maipú entre 9 de Julio y 3 de Febrero e inspirado en una imagen de Maradona con la camiseta de la Selección argentina, la obra tiene una altura de cinco metros y es uno de los puntos fotográficos más famosos de la zona.<h2>Córdoba</h2>Además de ser el hogar del cuarteto y del fernet, Córdoba también es una de las provincias argentinas con más homenajes artísticos a Diego Maradona.Hernán Cappelletti con la secuencia del “Gol del Siglo” en las paredes del Viejo Abasto, Matías Lunfardo con “Genios mundiales” sobre Costanera Norte, mural que cuenta con la imagen de Maradona en la Copa del Mundo de México 1986, y José Sasia con la mítica imagen del rostro del Diez en el barrio Alto Verde han sido algunos de los artistas que colorearon las paredes de la jurisdicción con la figura del nacido en Lanús.<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/Parte_del_mural_pintado_por_Hernan_Cappelletti_en_Cordoba_635e49dafe.jpg"> [Imagen], por CBA24N.<h2>Maradona en el resto de provincias argentinas</h2>Más allá de la inmensa cantidad de murales dedicados a Diego Maradona en Buenos Aires, Santa Fe y Córdoba, las paredes y los muros del resto de provincias argentinas como Misiones, Salta, Jujuy y Tucumán, entre otras, también cuentan con ilustraciones del astro argentino en las diversas etapas de su carrera que reflejan y recuerdan la historia y el impacto del nacido en Lanús en la nación.<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/Mural_de_Maradona_pintado_en_Posadas_Misiones_10dc1be569.jpg"> [Imagen], por Instagram/Maradonamurales.

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Diego inmortal: los mejores murales de Maradona en Argentina

El mundo del arte evolucionó más allá de los confines físicos y las limitaciones de las galerías tradicionales gracias a la aparición de galerías itinerantes. Estas iniciativas llevan el arte a contextos variados y salen de lo convencional.&nbsp;Una de las innovadoras iniciativas es No Man’s Art Gallery, que se destaca por su enfoque audaz. Nacida en Amsterdam, comenzó como un proyecto “falso” en línea, ideado por la joven estudiante de leyes Emmelie Koster y se convirtió en un fenómeno global. Se mueve constantemente, y ya organizó exhibiciones en ciudades como Shanghái, Bombay y Hamburgo. En cada destino, la galería recluta a artistas locales y crea una mezcla que resuena con coleccionistas. Incluso, algunas exposiciones llegaron a realizarse en completa oscuridad, sumergiendo a los espectadores en un viaje sensorial.La propuesta de Amy Smith-Stewart rompió con la tradición de las galerías convencionales de Nueva York. Después de una carrera en instituciones tan prestigiosas como el MoMa PS1, decidió abandonar el espacio físico para llevar el arte directamente a la gente, organizando exposiciones itinerantes en lugares inesperados. La naturaleza casi secreta de sus exhibiciones, que tuvieron lugar en sitios emblemáticos como el Socrates Sculpture Park y el Noguchi Museum, añade un elemento de sorpresa y anticipación. Esta capacidad de adaptarse y transformar cualquier espacio la posicionó como una figura prometedora.Argentina no se quedó atrás y se sumó a la tendencia, con uno de sus centros culturales más importantes, el CCK. Este promueve exposiciones a lo largo y ancho de sus ocho pisos que van cambiando cada mes. Además, expandió su alcance más allá de las paredes del edificio. Es así que democratizan el acceso a la cultura y generan un mayor conocimiento del arte contemporáneo.&nbsp;Al moverse de una ciudad a otra, de un país a otro, estas propuestas crean conexiones interculturales, permiten descubrir nuevos talentos y ofrecen experiencias artísticas que van más allá de la contemplación pasiva. El arte se convierte en un acto de descubrimiento continuo, donde cada nueva exposición es una invitación a explorar lo desconocido, a dejarse sorprender y a participar en una experiencia que se transforma constantemente. <img><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/Salon_de_imagenes_en_el_Centro_Cultural_Libertad_0329c7533d.jpg"> En la sala de “negativos encontrados” armaron un sector con fotos tamaño carnet iluminadas [Imagen], por Adrián D’andrea.The Pool NYC es otro exponente del arte itinerante. Fue fundada por Fabrizio Moretti, Viola Romoli y Luigi Franchin y sin sede fija recorre el mundo desde 2009. Cada exposición se adapta al contexto cultural y geográfico de la ciudad anfitriona, lo que permite que la galería mantenga su relevancia y conexión con un público global. Este enfoque flexible y dinámico que le permitió crear una plataforma única para artistas emergentes y establecidos, ofrece una experiencia artística que es tan fluida y cambiante como el mundo en el que se mueve.Es evidente que surgió una nueva tendencia global que refleja un cambio cultural y artístico profundo. En una sociedad donde la movilidad y la conectividad son pilares esenciales, la capacidad para poder acceder al arte es más valorada que nunca.&nbsp;<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/Camaras_de_fotos_antiguas_44629ef070.jpg">También en la sala de “negativos encontrados”, se expusieron un conjunto de cámaras de fotos de antaño [Imagen], por Adrián D’andrea.

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La revolución del arte itinerante

Surgida en los&nbsp;años 80&nbsp;en San Pablo,&nbsp;Brasil, la&nbsp;pichação&nbsp;es una forma de arte visual urbana caracterizada por la intención de los artistas por&nbsp;mostrar un descontento con la sociedad. Los&nbsp;pichadores, nombre que reciben aquellas personas que hacen este tipo de técnica artística, buscan en las&nbsp;cornisas superiores o fachadas de los rascacielos de la ciudad los espacios más deseados y escriben su&nbsp;pseudónimo&nbsp;y el de su&nbsp;grupo.<h2>Características y ejemplos</h2>La&nbsp;técnica&nbsp;de la&nbsp;pichação&nbsp;se distingue por&nbsp;dos elementos especiales: tiene una&nbsp;tipografía peculiar y, además, se realiza en&nbsp;zonas altas de muy difícil acceso. A su vez, los&nbsp;trazos angulosos y verticales&nbsp;y la&nbsp;similitud con las runas son algunos de los aspectos que caracterizan a dicha forma de arte.Al contrario que en otros tipos de arte, la&nbsp;estética&nbsp;de los&nbsp;pichos, como se les llama a los trabajos hechos bajo esta técnica, es algo&nbsp;secundario.&nbsp;La tipografía de los nombres y los números de los jugadores en las equipaciones de la&nbsp;selección brasileña y de&nbsp;Corinthians, equipo de la Primera División de Brasil o la tapa de los discos de algunas bandas como&nbsp;KISS&nbsp;o&nbsp;Iron Maiden&nbsp;son algunos de los ejemplos más representativos de la pichação.<h2>La palabra de Ache, pichador ecuatoriano</h2>“A diferencia de ese montón de prácticas estéticas que vemos, la pichação no busca complacer sino tensionar e incomodar. Es un acto principalmente político porque al usar pocos recursos se muestra la precariedad de sus autores”, comentó el artista ecuatoriano&nbsp;Ache, quien se familiarizó con la práctica mientras estuvo en Brasil, en una entrevista en&nbsp;Cartel Urbano.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/FOTO_PICHACAO_1_8745d55d1e.jpg"></figure>Picho creado por Nómada, artista bogotano (Nómada).<h2>Choque de opiniones</h2>Sin embargo, la pichação posee&nbsp;defensores&nbsp;y&nbsp;detractores&nbsp;dentro del mundo artístico. Hay personas que consideran que esta forma de arte visual urbana es simplemente una manera distinta de realizar arte y hay otro grupo que no apoya el movimiento por la ilegalidad y peligrosidad que afrontan los artistas a la hora de crear sus obras.<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/FOTO_PICHACAO_3_634c1c488f.jpg"> Pichos en las calles de Brasil (Compulsive Contents).<h2>Expansión en Latinoamérica</h2>Si bien surgió en Brasil, la pichação traspasó fronteras y llegó a distintos países de Latinoamérica como Colombia o Ecuador gracias a exponentes como&nbsp;Djan, Zé, Libert City, Os Catalixo, Menor, Cariri y Opera.Más allá del peligro al cual se enfrentan los artistas que realizan el arte de la pichação, no hay dudas de que es una forma de expresión artística distinta y especial por todos los condimentos que la caracterizan.

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Pichação, la peligrosa forma de arte que empapó los rascacielos y las calles de Brasil

En las calles de Buenos Aires, un enigmático fenómeno irrumpió con fuerza y desafió las convenciones del arte urbano. La frase&nbsp;"No me baño", que adornaba discretamente algunos espacios, se convirtió en una icónica declaración en las&nbsp;paredes, persianas, techos y tachos de basura de la capital argentina.<h2>El surgimiento</h2>La esencia del movimiento radica en su capacidad para&nbsp;provocar y desconcertar. Se originó entre un&nbsp;grupo de&nbsp;skaters, conocido como "No me baño", que, tras recibir el apodo de manera despectiva, decidió adoptarlo y llevarlo a la esfera pública a través del&nbsp;graffiti. La frase resonó en el imaginario y se convirtió en un&nbsp;símbolo de rebeldía y originalidad.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/MOVIMIENTO_NMB_FOTO_2_68a09c36ca.jpg"></figure>En la Ciudad de Buenos Aires, la corriente juvenil dejó su huella en un flanco de un edificio&nbsp;[Imagen], por Indie hoy.<h2>Influencia del graffiti</h2>Al igual que el&nbsp;graffiti&nbsp;neoyorquino de los años 70, que se manifestaba en los trenes y en las calles con&nbsp;tags&nbsp;y firmas, "No me baño" encontró su lugar en el&nbsp;paisaje urbano de Buenos Aires y navega entre aguas turbulentas. Este ofrece una estética que&nbsp;desafía las normas y, al mismo tiempo, se enfrenta a la desaprobación de algunos sectores de la sociedad.La dinámica del&nbsp;graffiti, por su naturaleza, es territorial y provocativa. Es una forma de expresión que choca, tal es así, que con frecuencia es percibido como&nbsp;vandalismo&nbsp;por aquellos ajenos a la práctica, mientras que para los artistas es una forma legítima de intervención urbana. En el caso de "No me baño", la frase en sí misma actúa como un lienzo en blanco que invita a una&nbsp;libre interpretación.<h2>Evolución y popularidad</h2>A diferencia de otros grupos que operan con siglas o nombres enigmáticos, "No me baño" adoptó una&nbsp;forma más explícita de comunicación. Inicialmente representados por&nbsp;las siglas NMB, comenzaron a utilizar la frase completa en sus pintadas, lo que generó una mayor visibilidad. La frase, que puede parecer trivial, desencadenó un&nbsp;fenómeno cultural.El movimiento creció en popularidad y las&nbsp;redes sociales jugaron un papel crucial en su difusión. Las imágenes de las pintadas, acompañadas por hashtags y publicaciones en Instagram, permitieron a los seguidores compartir y celebrar su presencia en diferentes rincones de la ciudad. Esta estrategia, que contribuyó a su expansión, creó una comunidad en torno a la frase y fomentó la participación de sus admiradores.<h2>Identidad e interpretaciones</h2>Con un desafío constante a las normas de limpieza y presentación personal, proponen una&nbsp;visión alternativa que celebra la libertad e individualidad. En un contexto donde la apariencia se asocia con el estatus, ellos muestran una perspectiva refrescante. De esta manera, dejaron una marca en la cultura popular e influenció la moda, el arte y la música. Artistas y creadores exploraron temas relacionados con la identidad y la autoaceptación, inspirados por la filosofía de "No me baño".&nbsp;Es importante reconocer que no es un&nbsp;fenómeno monolítico porque dentro del movimiento, existen múltiples interpretaciones. Esta diversidad añade una capa de complejidad al fenómeno y lo hace aún más fascinante de explorar.La frase, que inicialmente podía parecer un simple acto de provocación, se convirtió en un símbolo. A pesar de la controversia y las críticas, ofrecen una reflexión sobre la relación entre la apariencia, la higiene y la identidad y promueve una visión más flexible de la autenticidad.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/MOVIMIENTO_NMB_FOTO_3_5f6b8cfd3b.jpg"></figure>A la izquierda, una casa abandonada revitalizada mediante graffitis y dibujos. A la derecha, un cerco usado por el área de tránsito del gobierno porteño también intervenido por NMB [Imagen], por Indie hoy.

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La historia del movimiento “NO ME BAÑO”

Desde chico forjó un amor por el ambiente y sus raíces culturales irrompible. Hoy, es consagrado como un destacado muralista urbano y refleja en sus obras la cultura azteca, la fauna y flora de su nación,&nbsp;México. Farid Rueda embellece las paredes y lleva un mensaje profundo de protección y conservación de la naturaleza a cada sitio al que va.<h2>Muralismo concientizador</h2>Sus murales tienen un enfoque estético muy particular y buscan despertar conciencia&nbsp;sobre la importancia de cuidar el planeta. En ellos aparecen reiteradas veces animales en peligro de extinción como un llamado a la acción para proteger estas especies y preservar la biodiversidad.En su&nbsp;obra "Mangle es Vida", ubicada en la&nbsp;estación del Metro Ermita en Ciudad de México, representó a&nbsp;Cipactli, un personaje marino de la mitología del país en forma de cocodrilo. Esta fue una iniciativa de la&nbsp;organización ambientalista Costa Salvaje, que tiene como objetivo acercar un fragmento de las costas a la capital y resaltar la importancia de los manglares como escudos naturales contra huracanes y sumideros de dióxido de carbono.<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/FARID_RUEDA_FOTO_2_10e519f7a8.jpg"> Más de nueve millones de usuarios lo podrán apreciar, en su trasbordo diario hacia la Línea 12 con rumbo a las estaciones Mixcoac o Tláhuac [Imagen], por X/ MetroCDMX.La realidad es que&nbsp;el muralismo mexicano tiene una rica tradición que se remonta a principios del siglo XX, con figuras como Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros y José Clemente Orozco, quienes utilizaron sus pinturas para contar la historia y las luchas de su pueblo. Farid Rueda sigue esta tradición, pero con un estilo moderno y una&nbsp;paleta de colores caleidoscópica que le da un toque psicodélico y distintivo.<h2>El inicio de un artista</h2>Nació en Morelos, México, y tiene 37 años. Arrancó sus estudios en la Facultad de Artes y Diseño en México, y pronto&nbsp;descubrió su verdadera pasión. Sus comienzos fueron con pinturas en lienzo para continuar con murales públicos, mediante la absorción de técnicas y estilos de grafiteros que admiraba.<h2>Colaboraciones internacionales</h2>Rueda supo&nbsp;exportar su arte y prueba reciente de ello es su colaboración con Xbox España y el artista español El Rey de la Ruina. Juntos crearon una espectacular pintura en&nbsp;Madrid, inspirada en el&nbsp;videojuego Forza Horizon 5. Este se ubicó en la estación de&nbsp;Atocha, presenta un león que simboliza la&nbsp;libertad y la determinación, principios del nuevo título de Playground Games. Además participó en numerosos eventos internacionales y dejó su huella en países de Latinoamérica, Estados Unidos, Europa y Rusia. Una de sus obras más destacadas se situó en Moscú, creada para el festival MOST&nbsp;antes del mundial de 2018.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/FARID_RUEDA_FOTO_3_fc9cbe8a26.jpg"></figure>Una demostración de talento, previo al festival ruso Most&nbsp;[Imagen], por Pinterest.<h2>Un estilo transformador</h2>Para maximizar el potencial de sus obras, utiliza técnicas como el&nbsp;óleo acrílico, el dibujo, las acuarelas y los grabados, que poseen un mensaje poderoso sobre la importancia de preservar la naturaleza y las especies en peligro de extinción. Farid Rueda nos recuerda que el arte tiene el poder de transformar y conmover. Con cada trazo y color, sus murales adornan y despiertan una profunda reflexión sobre la responsabilidad en el planeta, invitándonos a unirnos en la causa de proteger la biodiversidad y nuestro entorno.&nbsp;

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El muralista mexicano que traspasa fronteras con su arte

Los murales interactivos son obras que, además de brindar una experiencia visual para los espectadores, permiten que las personas puedan interactuar con ellas de diversas maneras, ya sea a través de aplicaciones, realidad aumentada, elementos sensoriales o, hasta incluso, mediante la participación directa en la creación del mural.Además, los murales interactivos no solo ofrecen una vivencia artística, sino que también pueden proporcionar a los espectadores una experiencia educativa.El fenómeno de los murales interactivos ha ganado popularidad en diversas ciudades del continente latinoamericano, donde artistas y colectivos han ido explorando y creando nuevas formas de comunicación visual.<h2>Arte interactivo en México</h2>Ubicado en el noroeste del país norteamericano, Nuevo León es uno de los estados de México que cuenta con una zona con varios murales interactivos.&nbsp;Ubicados sobre la calle Laureles, entre las avenidas Calzada Unión y Rómulo Garza en la Colonia Los Laureles, las personas pueden “integrarse” en las diversas obras, ya sea saliendo de una boca gigante, lanzando un hadouken (poder del famoso videojuego de lucha Street Fighter) o deteniendo un vaso gigante a punto de atraparte como insecto.Estas piezas fueron pintadas como parte de un concurso de arte urbano, que se llevó a cabo por parte del Instituto Municipal para el Desarrollo Cultural de San Nicolás.<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/FOTO_MURALES_INTERACTIVOS_LATAM_2_1277c4d2f2.jpg"> El mural interactivo del videojuego Street Fighter en acción (@LAMIRADADELTAXI).Atlixco es otro de los tantos sitios de México con murales interactivos en sus paredes. La ciudad ubicada a los pies del volcán Popocatépetl cuenta con varias obras para que las personas participen: desde pasear a un perro hasta ser abducido por un platillo volador.<h2>Esperanza, centro artístico interactivo de Santa Fe, provincia argentina</h2>Situada en el centro-este de la provincia de Santa Fe, Esperanza es una de la ciudades de la jurisdicción argentina que posee en su currículum un paseo de murales interactivos. El mismo está compuesto por cuatro obras: “Portales al Arte”, “Humanidad Despierta”, “Girasoles” y “Monte vivo”.Las obras están acompañadas de cartelería informativa y de códigos QR, mediante los cuales los espectadores podrán acceder a una página web donde encontrarán información sobre el proyecto, así como también datos útiles de cada una de las casas de arte e instituciones participantes, de las obras presentadas, su fundamentación y sus autores.<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/FOTO_MURALES_INTERACTIVOS_LATAM_3_cd4106a5db.jpg"> Uno de los murales interactivos que forma parte del Proyecto Murales Interactivos de Esperanza (Municipalidad de Esperanza).<h2>Muralismo y realidad aumentada en Colombia</h2>Ubicado en el Valle de Aburrá del departamento de Antioquia, La Estrella es un municipio de Colombia que también cuenta con murales interactivos al igual que Esperanza o Nuevo León. A través de la realidad aumentada, la obra diseñada cobra vida y se descubren árboles, flores y pájaros que le dan un toque único y divertido a la pieza.

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